藝點報報

芭蕾舞起源於義大利文藝復興時期（15至16世紀）的宮廷舞蹈，後由法國國王路易十四推廣並引進至宮廷演出，強調宮廷禮儀與戲劇性舞蹈表現，逐漸構築芭蕾的基本動作與技術；18世紀編舞家尚．喬治．諾維爾提倡「舞劇芭蕾」開始強調舞蹈的敘事性；19世紀浪漫芭蕾及古典芭蕾時期，前者以超自然與夢幻題材結合白色紗裙形成「白色芭蕾」、後者採豐富劇情結合華麗服裝展現高難度的芭蕾技巧；20世紀編舞家喬治．巴蘭欽發展「新古典芭蕾」，融合現代舞與傳統技巧，開啟當代編舞家探索多元風格與跨界藝術，發展實驗性、劇場化的芭蕾作品。時至今日，經典芭蕾舞劇目及創新芭蕾舞劇目並存發展，展現各種樣態，讓大家感受不同時期芭蕾舞的魅力。

本篇聚焦浪漫芭蕾及古典芭蕾時期的劇目進行介紹，原因有二，其一是兩個時期呈現女性芭蕾舞者服裝的演變、劇情編排的層次遞進及高難度的表現技巧，進而創作出多部家喻戶曉的劇目。其二是兩個時期的劇目至今依受許多國內外舞團喜愛並經常演出，其中經典的舞蹈橋段展現女性舞者的高超技巧，亦是觀者最期待的部分。以下分別論述浪漫芭蕾時期《吉賽兒》、《仙女》；古典芭蕾時期《胡桃鉗》及浪漫芭蕾時期過渡至古典芭蕾時期《柯碧莉亞》的故事及女性角色。

羅德芭蕾舞團連續在2023年、2024年呈現《吉賽兒》芭蕾舞劇、講述一名年輕女子吉賽兒愛上一位貴族男子阿爾伯特，在發現男子有未婚妻的事實後，悲痛過度而亡。之後化為其中一位薇麗（受愛情背叛而死的少女幽靈），拯救阿爾伯特免受其他薇麗報復強迫不停跳舞至死，再回歸幽靈世界。高雄城市芭蕾舞團2018年帶來19世紀浪漫芭蕾《仙女》《吉賽兒》＆《四人舞》中《仙女》，講述一名青年詹姆士在婚禮前夕，被一位神秘美麗的仙女吸引而拋棄未婚妻，追隨仙女進入森林，之後遇到女巫哄騙只要將魔法圍巾披在仙女身上，兩人就永不分離。結果卻害死仙女，自己也失去所有。兩部皆是浪漫芭蕾時期的作品，女性舞者穿著白色輕盈紗裙，呈現如幽靈般的飄渺美感。大量運用足尖舞，表現出不受地心引力影響的超凡特質。反映當時對女性的兩種矛盾態度，崇拜女性的純潔與夢幻，同時認為女性脆弱而命運悲劇，以女性角色犧牲作為男性角色最終的懲罰。

高雄城市芭蕾舞團2015年上演全本芭蕾舞劇-胡桃鉗Nutcracker、羅德芭蕾舞團分別在2016年及2021年上演《胡桃鉗》芭蕾舞劇，原型是E.T.A.霍夫曼的《胡桃鉗與鼠王》，後經大仲馬改編成較溫和版本。俄國編舞家馬留斯．彼季帕根據大仲馬的版本再改編為芭蕾舞劇，加上柴可夫斯基為其譜曲，使劇情充滿奇幻與歡樂氣氛，成為古典芭蕾時期經典作品，其中《糖果仙子變奏曲》精緻的動作，展現出芭蕾的夢幻美感，是古典芭蕾經典橋段。劇情描述在一個聖誕夜，小女孩克拉拉收到一個胡桃鉗玩偶，夜晚夢見胡桃鉗變成英勇的王子，帶領她進入魔幻世界，經歷一場與老鼠大軍的戰鬥，最終來到糖果仙子統治的糖果王國，享受一場奇幻的盛宴。克拉拉代表無憂無慮的童年，充滿夢幻元素的冒險，顯示出孩童對未知世界的好奇心與幻想。對胡桃鉗王子的愛是單純的，強調童話故事中對純潔女孩的刻畫。屬於被動角色，由胡桃鉗王子與糖果仙子引導整段旅程。糖果仙子是糖果王國的統治者，代表著高貴、優雅、成熟、充滿女性魅力但不帶有世俗慾望的角色。劇中女性角色從童真到成熟、夢想者到統治者，隱喻女孩蛻變為女性、展現童年跨越至成人階段。

世紀舞匯2013年的芭蕾小劇院--柯碧莉亞精選版、高雄城市芭蕾舞團2014年的全本芭蕾舞劇-柯碧莉亞、羅德芭蕾舞團2018年的芭蕾舞劇《柯碧莉亞》製作暨巡迴演出計畫，原型是E.T.A.霍夫曼的《睡魔》，後經法國作家夏爾．紐里捷與亞瑟．聖萊翁改編為更輕鬆、帶有喜劇色彩的版本，由作曲家里奧．德利布編曲，為法國三大芭蕾舞劇之一。這部以詼諧喜劇為故事題材，呈現浪漫芭蕾時期至古典芭蕾時期的轉變。服裝從細緻的芭蕾長紗裙到色彩鮮明的短紗裙，跳脫浪漫芭蕾以往的氛圍[1] ，劇中經典橋段《人偶舞》、《斯萬妮達的婚禮變奏曲》展現高難度技巧亦保留活潑元素，為整部作品增添生動。劇情描述住在一個小村莊的女子斯萬妮達和未婚夫弗朗茲即將結婚，但弗朗茲卻迷戀上神秘的柯碧莉亞－一位總是坐在陽台上安靜讀書的女子。後來，斯萬妮達發現柯碧莉亞其實是瘋狂玩偶師柯佩留斯製造的人偶，她決定假扮成柯碧莉亞，戲弄柯佩留斯同時揭露真相，最終弗朗茲認清自己愚蠢的迷戀，與斯萬妮達和好，兩人幸福結婚。斯萬妮達是古典芭蕾少見的女主角類型，象徵女性自主權的提升，以機智解決問題、主導整個故事進行。發現弗朗茲的愚蠢行為，用假扮柯碧莉亞來教育他，幽默諷刺著男性被美貌吸引。

綜觀上述芭蕾劇中的女主角，斯萬妮達展現女性的自主，主動引導整個故事進行，以幽默方法讓男主角意識到錯誤行為，進而改進。克拉拉代表孩童的好奇心，一步步被帶領探索充滿未知的世界。吉賽兒、仙女代表純潔夢幻，同時也是柔弱而悲劇。從19世紀至今各時代下的女性角色一直變動著，不管是喜劇、悲劇，觀者都能找到自己共鳴的部分，也是經典劇目持續上演的重要因素，除了精彩的舞蹈外，劇情亦傳達重要的核心精神，讓觀者欣賞作品之餘，持續為生活帶來希望與動力。

文編／潘雅惠　Banner設計／Dyin Li

註釋

[1] 蕭權君（2019年9月2日）。讓過往的腳步踏出希望－芭蕾舞劇《柯碧莉雅》
https://pareviews.ncafroc.org.tw/comments/3ea57875-4147-4b4b-841c-a5982c8fe8bd

在國際交流上，不論個人／團體參與主要／次要的國際展會，藉著每一次與國際連結的機會，增加自身與國家的國際曝光度和各方交流的機會，也牽起下次的合作機會。這次將從2007-2024年「國際文化交流項目」的計畫中，與大家回顧各國展會首次出現獲國藝會補助的臺灣藝術家與團隊，以及其參與的交流計畫，都能在世界地圖上看見臺灣藝術家與團隊的足跡。

歐洲

• 冰島：2024 Ströndin Studio首度邀請臺灣的攝影師張雍，前往Seydisfjördur駐村、辦理講座交流與攝影展。
• 荷蘭：2016 NEU NOW Festival首次開放臺灣地區參與，其中有獲選的臺灣藝術家蔡宜婷前往展出《一部無限的歷史與它的定律》系列作品。
• 德國：微光製造於2022受Tanzkongress邀請演出作品《捺撇》（Beings），是首度以演出者身份參與舞蹈年會的臺灣藝術家。臺灣編舞家蔡博丞於2014參加Theaterhaus Stuttgart舞團首次與漢諾威芭蕾協會合作的國際編舞大賽甄選，成為大賽首次得主與觀眾票選獎，並於2015前往Theaterhaus Stuttgart舞團發表《浮花》（Floating Flowers）歐陸版。2011哈莫尼音樂節（Harmonie Festival）、stiftsmusik stuttgart首次邀請臺灣拉縴人男聲合唱團演出。
• 法國：拉縴人男聲合唱團於2007參加杜爾國際合唱比賽，是首次獲選並奪下多個獎項的臺灣合唱團。
• 俄羅斯：2015國立東方藝術博物館（The State Museum of Oriental Art）首次邀請臺灣的藝術家李佳祐展出《罔兩》（Wang Liang）系列作品。
• 斯洛維尼亞：2022斯洛維尼亞瘋狂博物館（Museum of Madness）首次邀請臺灣的藝術家張雍，前往館內駐村、舉辦作品《伊拉克庫德斯坦自治區華勒精神療養院》（Hawler Psychiatric Hospital in Erbil, Southern Kurdistan (Iraq)）個展。
• 義大利：2024 DAP Festival首次邀請臺灣的野草舞蹈聚落發表《春之祭》（The Rite of Spring）獨舞版。2014 Scuola Internazionale di Grafica首次邀請臺灣的藝術家張瑞頻前往威尼斯駐村，並延續他以經濟和紙幣的創作策劃展覽「水桶人上報紙」（The Bucket Man in Newspaper）。
• 科索沃：2022科索沃劇場展（Kosovo theatre showcase）首次邀請國際劇評人協會台灣分會的秘書長黃佩蔚出訪，進一步了解巴爾幹半島的藝文發展，探討可能的合作形式。

美洲

• 加拿大：創造焦點透過徵選參與2023「當代馬戲國際展會」（Marché international de cirque contemporain, MICC），將作品《＃Since1994》帶到「作品推銷」（Pitch）單元，是這個單元首次有來自臺灣的團隊。2009多倫多Nuit Blanche首次邀請臺灣的藝術家郭奕臣展出錄像作品《入侵》（Invade）。
• 美國：小提琴家歐陽慧剛於2013福爾爵國際音樂節（Foulger International Music Festival）邀請，與GUS Symphonic Band同臺演出，是首次有臺灣的音樂家參與此音樂盛會。2012為Montalvo Arts Center創立百年之際，中心首次邀請來自臺灣的稻草人舞團呈現充滿在地元素的節目「戀戀福爾摩沙」（Fall in Love with Formosa）。
• 哥倫比亞：藝術家施昀佑透過徵選參與2015由4-18基金會主辦的「駐村旅行」（Residencias Itinerantes），前往哥倫比亞駐村、演講、發表聲音藝術作品、open studio、現地創作，不僅是基金會首次開放海外徵選，也是首次有臺灣藝術家參與。

亞洲

• 日本：2012 SOLID FABRICATION邀請臺灣的藝術家夏愛華舉辦個展「癒之境」（Treatment of the Sacred Land）。
• 中國：2016上海文化廣場華語文創音樂劇季首次邀請臺灣的人力飛行劇團演出《向左走向右走》（Turn Left, Turn Right - Love or Regret）。2014北京「紅磚美術館」首次邀請臺灣的藝術家陳界仁展出新作《殘響世界》（Realm of Reverberations）。
• 新加坡：台北室內合唱團於2023受新加坡國際藝術節（Singapore International Festival of Arts, SIFA）邀請，參與開幕製作《天使島》（Angel Island）音樂劇場，是藝術節近15年來唯一受邀的合唱團隊；創作社劇團也曾於2015受邀演出《西夏旅館·蝴蝶書》，為藝術節2014轉型後（原為新加坡藝術節）第一個受邀演出的臺灣表演團隊。2018新加坡攝影藝術機構DECK首次邀請臺灣的攝影家周慶輝舉辦個展「真實劇場」，展出《行過幽谷》（Out of the Shadows）、《人的莊園》（Animal Farm）、《台北浮白》（Fined Taipei）等系列作品。
• 印度：2014科欽-穆吉里斯雙年展（Kochi Muziris Biennale）首次邀請臺灣的藝術家陳界仁展出作品《殘響世界》（Realm of Reverberations）。

大洋洲

澳洲：2023墨爾本的室內製作（Chamber made）劇團首次邀請臺灣的作曲家林桂如參與「高能見度衛星實驗室計畫」（Hi-Viz Satellites LAB program）國際跨領域藝術交流工作營，與各國藝術家共同探討新型態的演出場域、創作與合作方法。

文編／陳宜萱　Banner設計／Shang-Ru Tsai

本月的藝點報報是個情境題：假想你在個夢裡，而夢境中有個r正經歷著環境周遭的排擠與困境，這個情境的負面性與嚴重程度可以由你想像，無論是拿實驗室的化學液體直接潑在r的身上，或是在喧鬧的場景中只有r的視線話語總是被冷嘲和無人應答、r做的事每每會被找麻煩、甚至r是因為先天的原生的障礙與狀態以致他永遠都是社交活動中最先被排除的對象。

然後我們將這樣形式的排斥狀態，想像他以一個最少一周一次，至多可以無時無刻的頻率持續發生，在一季到一年甚至更久之後，你覺得，在我們所想像的世界裡，r變成了什麼樣子？

在《托比的最後一個早晨》裡，他自殺了，
在《與我，相逢在宇宙盡頭》裡，他從無盡的自我對話中嘗試找到出口，
在《消失的六期生》裡，他們只能集體退學離開學校，
在《六段生命的律動》裡，她疾聲呼救了卻狠狠地被檢討，
在《聰明人小義》裡，她選擇了獨自承受到最後，不尋求也未曾信任他人的幫助，
在《紅衣小女孩》裡，她被逼迫著從樓上一躍而下，
在無數個情境之中，所有的r都被動地變成了沒有想像過的樣子。而所有的未來，也都完全不一樣了。

每個故事與個案都會有個階段性結局，但在書面或是紀錄上的結案後，沒有人能夠全身而退，旁觀者不能，關聯者也不能，當事人更是不在話下。比較好的狀況裡，共同經歷過這些情境的人會對自我有所思考，盡可能的預防和自我修復與理解、設身處地地去區分判斷這些可能沒有特殊原由造成的創傷，勇於化傷為痂繼續前進。

遇上好人的時候，或許我們也能夠像《張開另一隻眼》的主角一樣，開展心胸，進而懂得反觀自身與關懷他人。或如《人中之龍》的高關懷少年們知遇導演，透過藝術巡演的參與形式，給予自己更多往後面對不易時，懂得如何自處與相處的影響。

-

細讀每個事件，大家其實都也清楚，傷口可以淡化也可以成疤，只是那傷害的事實終難以抹滅，而在化受傷為負傷的路上，那些殺不死我們的，是否本就不該存在，而就算沒有樁樁誅心，r也應該能與你我(?)一樣，充分能在生活的細水長流間，知道何謂堅強。

在日復一日的日常裡，所有人都同時兼具著不同的身分，有著各自需要承擔的責任，也總是做出要用什麼態度和表現與人交往的判斷。一段關係可以是父與子、是上級與承辦、是彼此親密的伴侶甚至平行的友誼、同儕、夥伴，但無論我們戴著什麼身份，如果能在選擇成為個學習者、主導者、付出者、有權者、接受者或是旁觀者的各式非限單選角色中，盡可能懷抱善意與友好，或許這世界上的rs，才終有不再造成遺憾的一天。

So that which does not kill us, really makes us stronger?
那些殺不死我們的，真的讓我們更堅強了嗎？

文編／林宜慧　Banner設計／Dyin Li

水是人類維生的基本，舉凡人體的細胞代謝、血液循環、體溫調節……等生理功能，都依賴水的運作。人體的含水量佔百分之六十至七十，而我們所居住的地球，舉凡日常生活乃至生存環境，與水的循環、大地運轉，休戚與共。人口增加、氣候變遷、水底生態改變、冰河消融……等環境因素所致的水資源短缺問題，科學家預言，「水危機」將是人類未來的一大考驗！

人與水的關聯，表現在生理需求，也深植於文化、情感、哲學及環境層面。水，無固定意義，經常是被用以思考時間、命運和存在的象徵。水柔弱卻能穿石，能載舟、亦能覆舟，能為人運輸，而當洪水來臨時，卻也能兇猛如獸、吞噬人的性命。水的特性，流動、奔放、無可捉摸、難以名狀，啟發藝術家在創作，對不確定性和變化的思考。例如：高雄城市芭蕾舞團的作品《水》，融合芭蕾舞蹈與詩意，詮釋水的柔韌與力量。本作特邀旅歐20年，曾獲選盧森市九大藝術家之一的高雄市青年舞蹈家王國權，以及曾在義大利、德國、瑞士、南韓等多國編舞的羅馬尼亞籍編舞家康士坦丁（Constantin Georgescu），以創意及舞者紮實的芭蕾技巧，呈現以「水」為主題的精湛芭蕾。

人與水的相遇——「涉水」，可視為人對水的探索與實踐。徒步渡水，是以身體感知世界的流動與未知，由記憶牽引，浸透於昨日之境，例如：李蘋芬詩集《昨夜涉水》，從時間、物質的命題，以詩涉世，記錄詩人對生命的反思，揭示命運的沉浮及對自由的想望。每一首詩，猶如水流深邃而充盈，能使讀者感受生命的孕育及湮滅。又如許聖泓的《冰河山水》，運用舊明信片及媒材，將消逝的冰河景觀轉譯為畫作，實踐藝術家對「時間」命題的關懷。從冰河消融觀看逝去，也從冰河風景探討時間的隱喻。

人與水的關係——溯源，結合影像、聲音、裝置等多媒材形式，探索「水文」及其社會知識體系。紀柏豪的「溯源計畫」，呈現水的溯源過程。將各種素材與資料整合為包含文件、聲音、裝置等形式的展示內容，用數據展現在地的水之聲，挖掘汐止水文故事，既是藝術探索，也與環境共學；許震唐「濁水溪計畫」，書寫溪流和社會環境的複雜關係，是當代社會與環境的詩篇。他以影像介入社會，記錄河流與社會的互動及關係，揭示現代化對自然環境的影響，展現影像不僅是藝術形式，更是社會實踐及文化反思的媒介。

人對水的叩問——「回音」，將水底生物視為情感與倫理（ethics）的反思者。讓觀者重新審視，人與自然的關係。胡冠中的散文集《水裡的回音》，聚焦台灣淡水魚的生命樣態及對人類的影響。胡冠中以感性筆觸探索魚類的生態困境，從無鬚真裸皮鮋到吳郭魚，細緻描繪魚族的生命特質，並揭示法律框架下魚類作為「資源」的文化矛盾。《水裡的回音》是作家胡冠中的遺作，全書共有八萬字散文。分為四輯，主題關於人類對淡水魚的觀察、採集、理解及思考。國藝會「補助成果檔案庫」保存作品，留住青年作家最後的回音。

水議題於當代藝術的運用，在國際亦有相關案例。美國紐約大都會藝術博物館（The Metropolitan Museum of Art），2022年舉辦展覽「水之記憶」（Water Memories），通過歷史、現代和當代藝術作品，探討「水」對美國原住民與各民族的重要性。該展對觀者拋出警示：「平凡無奇的『水』，是全人類急需保護的珍貴資產」。而展覽介紹描述著，「水反映了我們的情緒，喚醒了感官，激發了想像。這些作品揭示了水如何跨越時間、空間，提供我們營養與治癒，卻也同時引發抗議、衝突和複雜的對話。」

從藝術到文學，水作為象徵，幫助人類思考生命、時間、社會實踐及文化反思。在當代藝術的多元呈現中，水作為動態且充滿象徵意涵的元素，具有無盡、可被探索的開放意義。

文編／王慈憶　  Banner設計／王景銘

在瞬息萬變的現代社會中，城鎮風景趨向一致，聚落生活的記憶漸漸被遺忘。每個地方都有其獨特的歷史與故事，隨著時間推移，這些故事可能漸漸模糊。在這樣的背景下，許多文化工作者與學者開始透過各種計畫，致力於保存這些珍貴的鄉土記憶。這些計畫不僅讓過去的生活重現於世，更促進了地方社區的文化傳承與認同感。

透過口述再現的土地記憶

「戰後的生活與記憶-鹽分地帶常民口述歷史調查計畫」記錄30位老者的口述經歷，研究者重現了他們如何在土地上勞作、在社會變遷中適應，並保留了他們對土地的深厚情感。這些故事成為後代認識故鄉與土地變遷的寶貴資產，既讓年輕一代重拾家鄉的溫情，也展現了生活在鄉村中的人們在艱辛環境中的堅韌。

移民生活的口述故事

吉洋分場是台灣滇緬移民的安置地，隨著第一代移民的凋零，這段特殊的歷史正逐漸被遺忘。「吉洋分場滇緬移民安置文化與文化地景調查」訪談移民家庭、搜集老照片與文獻資料，重建他們早期拓荒、共同生活的點滴故事。這些口述故事與影像共同構築出一段獨特的移民歷史。

記錄中的社區根基

隨著桃園航空城計畫的推進，竹圍社區面臨整體拆遷的挑戰。「搶救即將消失的大園竹圍文史記憶計畫」深入記錄了這個擁有170年歷史的傳統聚落。研究團隊通過訪談居民和拍攝社區影像，保留了居民的生活方式、宗教信仰、和地方儀式的紀錄。這些影像和口述資料在地方生活即將消失的當下，顯得格外珍貴，成為家園記憶的重要支柱，也成為地方文化研究的重要參考。

影像中流動的鄉土故事

「金淼寫真館計畫」記錄了楊梅一個傳統攝影館所拍攝的生活影像，這些照片捕捉了不同年代的楊梅風貌與居民生活。在田野調查與訪談的基礎上，這個計畫以影像和故事的方式再現了家族的生活細節，讓後人從中瞥見過去的生活情境。這些影像不僅成為地方生活的歷史檔案，更讓後代理解先人如何在這片土地上生活，並留下無數的情感回憶。

偏鄉長者的生活軌跡與精神

台西村是偏鄉的縮影，隨著年輕人口外移，村莊中大多數居民已年邁。「台西村的海角人生計畫」深入探討台西村內高齡者的生活經歷和集體記憶，並記錄他們在日常生活中的心路歷程。透過深入訪談和影像紀錄，研究團隊重建了這些高齡者如何面對老年生活的挑戰，記錄了他們的生活智慧、對土地的堅持，以及在鄉土文化中的深情厚誼。這些故事反映了偏鄉村莊生活的多樣性，並提醒後人不忘這些深具地方特色的生活記憶。

文編／林子尹　Banner設計／Yu HSU

「有人在樂器中尋找，有人在歌聲中尋找，也有人更幸運地，能夠就在茫茫塵世間，找到了那個能夠喚醒與過去、現在、未來產生共鳴的一種震動。」今年5月，臺灣作家郭強生獲邀於巴黎朗誦作品《尋琴者》，用文學喚起巴黎人們的共情。幾個月後，來自臺灣的藝術家們再次登場，以藝術之聲向世界訴說這座島嶼的故事。

2024巴黎奧運期間，全球目光集中賽場之際，巴黎的拉維特公園（Parc de la Villette）也迎來了一場文化盛宴。來自世界各地的文化力量在此匯聚，與奧運賽事交相輝映。各國展館展現豐富且獨特的文化風貌——印度館教授道地瑜伽、巴西館設置沙灘排球場、墨西哥館則以亡靈節彩旗妝點園區，讓拉維特園區宛如一場小型世界博覽會。

而在園區一角，喜氣的紅燈籠高掛，結合廟埕辦桌與電子花車概念的舞臺成為話題焦點，正是也受邀其中的「臺灣館」。現場發送茄芷袋、小泡芙與珍珠奶茶冰棒，讓遊客沉浸在熱鬧的「臺味之夜」氛圍中，感受臺灣廟口看戲的傳統文化。

臺灣館以「Win Together」為主題，由24組團隊、122位藝術家帶來近60場表演，橫跨音樂、戲曲、舞蹈、馬戲和DJ演出等。同時，透過數位輪播展示藝術銀行典藏的視覺藝術作品，將臺灣多元的藝術風格與文化元素呈現在國際舞臺上。

活動為期15天，節目精彩多元、融合了傳統與創新。例如，「林宗範與風中燈牽亡歌團」攜田都元帥「出海」，將南臺灣的「牽亡儀式」搬上巴黎舞臺，重現臺灣先民橫渡黑水溝的故事。以恆春民謠《思想起》開場，表達親人遠行與離別的相思之情，透過牽亡歌與宗教儀式，探索生命及死後世界的連結，這一傳統儀式也成為許多現代表演藝術創作的靈感來源。

同樣以臺灣本土文化為創作基礎的「A Root同根生」，融合東西方樂器、多元語言及歌舞等形式，重新轉譯臺灣的民間故事與妖怪文學，將鬼怪傳說融入音樂。現場帶領觀眾大跳「腳踩七星」的關公舞《紅紅》，彷彿置身於熱鬧的臺灣廟口。

而致力於傳統再創、跨界合作與當代音樂的創作型室內樂團「三個人」，以箏、中阮、笛／簫三種樂器組成的和諧感，突破傳統國樂演奏方式，展現臺灣音樂的創新與多樣性，令巴黎觀眾耳目一新。

如同運動員以身體參與競技，臺灣藝術家也通過肢體作為文化交流的媒介。女子馬戲「創造焦點」以《金剛芭比》為題，透過馬戲、戲劇和舞蹈展現女性的力量與自信，打破社會對馬戲的性別刻板印象。「TAI身體劇場」則演出《Tjakudayi─我愛你怎麼說》，以團員創作小說為靈感，結合排灣族歌謠與肢體語言，詮釋災後的離散與重聚，用身體訴說對土地的深厚情感。

更多精采演出包括，阮劇團與臺灣傳統戲曲團隊共創的「戲曲新編」、臺語民謠謝銘祐與麵包車樂團、客語歌手邱淑禪、排灣族歌手阿爆（阿仍仍）率領的那屋瓦少女隊、DJ QuestionMark、變裝皇后妮妃雅（Nymphia Wind）等多位不同類型的臺灣藝術家，共同打造最具臺味的文化風景。

臺灣館閉幕式以「妮妃雅與瘋家」的變裝秀掀起高潮，以大膽創新形式突破既有框架，呈現多元與包容之美。同時，在奧運賽場上，臺灣女子拳擊選手林郁婷無懼流言，以堅強實力奪下金牌，藝術家與運動員攜手詮釋「Win Together」精神，共同綻放島嶼之光。

「巴黎的草莓，也許我們會再見。」——DJ林貓王在演出尾聲，以臺灣樂團糯米糰的《巴黎草莓》，混音法國歌曲及電影《再見機器人》金曲，作為文化奧運演出的圓滿結尾。然而，這不是終點，而是另一個開始，島嶼之光將隨著藝術家的腳步，持續照亮世界各地，期待下一次與世界相遇！

文編／林佳穎　Banner設計／Dyin Li

文化藝術工作者無論是創作、表演或者藝術行政人員，於從業職涯中藉由自我進修、短期課程學習或長期的經驗累積，來吸收新知及提升技能。國藝會於2019年起每年辦理「Taiwan Top團隊營運陪伴計畫」，透過講師們的經驗分享，提供與時俱進的趨勢及知識，拓展對未來的想像與視野。而公設機構或場館如：臺中國家歌劇院「藝術行政人才培育計畫」、臺灣博物館文教基金會「博物館從業人員Level Up計畫」等，依照地域及關注的領域，辦理講座、工作坊等，達到產業人才培訓的目的。

此外，民間藝文組織也體察到外在環境趨勢及需求，辦理有利於提升藝文環境的課程。聚思製造端自2023年起針對新銳獨立藝術家設計舉辦「給藝術家的行政課」，計畫以藝術家集體共學實作工作坊、主題講座課程兩種形式，建立藝術家對於製作行政基礎概念、掌握與理解藝文生態。藝向舞集於2022年開始發起「《Inside Out》點子學校計畫」這是一項三年藝術家培育計畫，邀請資深藝文表演者、編創者進行短期專業課程的培訓，也開設長期實戰課程給予創作者完善的藝術陪伴、排練場空間的使用和幕後實戰經驗的引導。

除了課程外，由表演藝術團隊大可創藝及總導師符宏征發起的「A++點子學校」，目的為打造一個可供藝術家再切磋、交流的平臺，以導演、編劇、表演三組為區塊發展交流對話，期盼打破劇場角色的本位思考，如何在交叉綜合學習的過程當中，換位思考創造自己多元思維創作的可能性。

相較於傳統劇場空間的製作模式，再拒劇團憑藉過往製作經驗辦理「非典型劇場製作培育計畫」，希望能藉由探討「非典型空間」的製作範例，開啟不同於一般劇場製作的討論與對話，規劃並分享一系列的製作工作坊，並向外延伸至不同類型的非典型製作討論。

位在嘉義的不可無料劇場深知中南部地區劇場課程資源的不足，開設「表演進階與創作思考—雲嘉南劇場工作坊」培植在地青年藝術人才，帶動中南部劇場藝術活動動能。而臺南在地的藝文團隊絕對藝力，開啟「南方藝術評論培力計畫」，讓青年學子透過團體討論、實務為導向的寫作，以及平臺形成的社群支持，有效地學習到藝術書寫的方法。南北資源不均的情形下，這些團隊透過教育扶植的方式，企圖改變現行藝文環境。

外在環境變化迅速，持續學習是自我成長的養分之一，一個人學習很孤單，就讓我們「藝起學」！

文編／蘇柏政　Banner設計／Yu HSU

如果劇場是生的藝術，偶戲便是復生的藝術，當無機的偶在操偶者施術下栩栩如生，俗世與不可言說世界的疆界就此翻轉。脫胎自歷史古文明，偶戲於世界衍生出的傳統形體各異，在當代臺灣，它們匯聚交融，於劇場中不斷轉生變形。

幽明異路——傳統偶戲的求變之路

臺灣偶戲的傳承並不來自現代教育體制的學習，而活躍於「地下」，歸功於在地藝術工作者及民間藝文團體的能量。國藝會除常態「演出項目」補助，亦透過「研習進修」項目資源輔助藝文團體創新。如義興閣掌中劇團2018年「楊輝偶戲工作坊」，向外取經汲取人偶同台的表演形式；真雲林閣掌中劇團2019年工作坊接續邀請楊輝，以「一人獨劇創作」為主題授課。義興閣掌中劇團2023年工作坊則由國內現代偶戲工作者陳佳豪擔任講師，進行操偶演師肢體培訓。

碧落黃泉——現代偶戲的求生之旅

路途的另一端，臺灣現代偶戲團體亦透過「研習進修」項目補助資源，積極投入偶戲的產製創作及研發。飛人集社劇團曾分別於2010、2011、2012、2014年辦理大師班工作坊，搭配自辦的「超親密小戲節」活動[1]，彌補國內偶戲教育體制之不足。而無獨有偶工作室劇團更連續辦理系列工作坊多年，如2017、2018、2019年的國際大師班課程，及2020、2021、2022年著力人才培訓之偶戲培養皿計畫。[2]

異域新生——此時無聲勝有聲

偶戲不以語言為承載主體的表達手法，讓它在跨文化交流中佔有優勢，歷年獲國際藝術節邀請演出之補助案有：真快樂掌中劇團2008年美國綠山國際偶戲節、臺北木偶劇團2016年匈牙利國際偶戲藝術節、山宛然劇團2017年荷蘭多德雷赫特國際微型藝術節、偶偶偶劇團2019年巴勒斯坦國際兒童與青年劇場藝術節與2023年韓國春川偶戲節。除交流演出外，另有跨國共製作品如：不貳偶劇2023年「《道成》台日跨國偶戲劇場經典演出計畫」、真雲林閣掌中劇團「2023臺港劇場共製《千年幻戀》香港演出計畫」；而無獨有偶工作室劇團亦在表演藝術國際發展專案支持下，於2019-2021年與德國圖賓根形體劇場合作，以東西方文化共通的神怪議題為題材，共創偶戲作品《穿越真實的邊界》。

借屍還魂——當無聲的偶戲化作當代劇場的語言表徵

偶戲亦跨足現代劇場「人戲」演出，在臺灣當代劇場中煥發生機。如同黨劇團《白色說書人》結合布袋戲表演及現代劇場文本敘事，為其中範例：編劇詹傑之劇本創作計畫於2016年獲國藝會創作項目補助，作品2017年首演、2024年重演亦獲「演出項目」補助支持，2023年更在「國際文化交流（出國）項目」補助支持下，至德國慕尼黑變奏（Spielart）劇場藝術節演出。自《白色說書人》取得成功後，同黨劇團另於2021年辦理「劇場演員 跨界布袋戲訓練計劃」，2022年邀請偶戲導演薛美華駐團，持續自傳統及現代偶戲吸取能量，發展新製作。阮劇團則於2020年獲「跨域合創計畫專案」，集結傳統及現代偶戲工作者、現代劇場演員，進行為期三年的「當代新偶戲實驗計畫」，其後發表《釣蝦場的十日談》。

文編／徐紫芸　Banner設計／Shang-Ru Tsai

註釋

[1] 飛人集社劇團「超親密小戲節」亦常年獲得國藝會「策展項目」補助，參見徐紫芸：〈歡聚吧！藝術的慶典〉，國藝會補助成果檔案庫「藝點報報」NO.14，2020年2月27日。

[2] 無獨有偶工作室劇團並於2021年起，另以利澤國際文化有限公司為營運合作單位，辦理「偶戲職人學校籌備暨師資培育計畫」。

在疫情期間，國藝會開啟「創作揪團練」的線上工作坊，邀請不同領域的藝術家擔任團主，從各自的創作中，發展出與群眾一起創作的主題。其中一場由吳芊頤藝術家擔任團主，邀請大家在日常生活中找一個喜歡的風景，再利用紙膠帶拼貼出喜歡的鐵窗花樣式，創造屬於自己的「記憶中的窗景」。在無法自由外出的非常時期，這扇窗帶給我們自由無度的想像，以及不同的觀看視角。

吳芊頤個展「如詩的光景」、「窗景漫遊」，作品是由從鐵窗花看出去的日常景緻，透過鮮豔的紙膠帶拼貼重組，創造出熟悉又繽紛的地方印象；「景窗地誌」創作計畫，則是將平面轉為立體透明的景窗作品，隨著觀者的觀看距離、光影變化進而與作品產生互動。

陳伯義攝影個展「窗景／Outlook」、「莫拉克」，分別在廢墟空間與災害現場，直接凝視對外窗口，透過「窗」記錄空間與時代的變化，留下曾經的歷史印記，在畫面上形成強烈的對比。

藝術家陳明德「人造‧家」、「鐵皮屋計畫—炙熱之家」創作計畫，以複合媒材創作、模擬臺灣街景建築，不論是鐵窗花、鐵皮屋、鐵捲門、外掛式冷氣、水塔、水泥牆與紅磚，反映出臺灣獨有的風格，也是你我生活中不斷出現的街景。

「窗」作為一個媒介、觀看的形式，窗裡、窗外皆有故事。

文編／陳宜萱　Banner設計／I-Chyi Chang

有一種老派戲劇的套路是這樣的：非帥即美的主人翁，掙扎於追求自我與繼承家業之間的種種拉扯，衍生出一連串的悽悽楚楚。而在各樣的自我追求標的當中，「能吃嗎」的藝術，大概就屬這拉扯排行榜中的首位。

回到現實，有浩大家業可以繼承的人終究屬於少數。不過藝術所招致的、與家之間的扞格，倒是時有聽聞。

也是關於吃。我在媒體上叢生的美食報導裡，偶然領略到所謂傳承的新義∕多義。最典型的那一種，是亦步亦趨，一分一勺，時間火候食材調料都絲毫不得增減的完美複製；可也有另一派，是遠遠跨了出去，而後回過頭來，將新學到的本事，給家業注入新生。好比說，台南一家老水果行的少年子弟，遠赴義大利學習製作冰淇淋，之後結合自家水果的優勢（內含累積了四代的家學）研創了獨特的冰品，讓原趨凋零的老字號再度吸飽人氣。

在藝術領域，似乎也不乏這樣的繼承者。以下是嘗試在「國藝會補助成果檔案庫」中挖掘到的幾種繼承的樣態：

張徐展以瑰異的動畫錄像、精巧的手作紙偶和場景，甦活了家族承傳百年的紙紮技藝∕記憶，早已是傳頌四方的勵志故事，「新興糊紙店-紙人展篇」是這一切的開端；而今張家姊弟更以「沾沾喜氣文化」為名集結了跨領域的工作者，提出「新興糊紙文化——傳統紙紮工藝生態升級計畫」，肩扛起台灣糊紙文化的未來。

家中經營肉品生意的黃韶瑩，早些年的創作常帶有「牠者」的身影，她的軟雕塑，或用包裝肉品的棉袋捏造出蓬軟的肉身，或塞滿了鋪張的雞鵝毛皮草，成群倒掛、待宰的姿態，除了誘發動物權的反思，也叫人忍不住對號入座，詫然望見身處在群體當中的自己。

林書楷的父輩從事模具鑄造，隨著家中小工廠的經營邁入夕陽，他運用遺留下來的大批「積木」（翻模用的木刻模具），揉雜其所置身的城市、信仰、產業與家庭記憶，再現出他所想像的「陽台城市文明」風景。

編舞家林廷緒從小與民俗信仰有著難解之緣，他的曾祖父為東隆宮溫府千歲的乩身，出家為尼的母親亦不時為逝者舉辦法會，林廷緒自己也曾在參與祭儀的過程中，有過不可思議的身體經驗。他帶著真誠的提問浸身田野，探觸人與神、身體與精神之間的無形連結，而後將體悟注入舞作之中，創造出某種出神的質地。同樣著眼於生死魂靈，許程崴的創作關心，則是源於家中經營殯葬事業、幼時以墓園為遊戲場的成長記憶，他的多個舞作直面死亡與存在，遊走式觀賞的《上造》，更直接是一場「送走」（Sàng Tsáu）歹物仔的祭典。

農家子弟陳漢聲與劉星佑共組的「走路草農／藝團」，試圖在藝術裡讓故鄉代代相傳的農村農事經驗持續可見；瓦斯店的女兒郝妮爾，與計程車行的大漢仔陳俊文，也藉由不同的文學方法，各自梳理了他們與上輩執業的情感糾葛，同時記錄下這些特殊產業的現實處境與時代更迭。

如此盤點下去，簡直可以說個沒完……。終而我發現，關於繼承這件事，其實不是專屬老派年代、或者豪門世家才有的課題，而是日日縈繞在我們大多數人周遭的——我接收了什麼、又打算留下什麼——人生在世的臨場實務。

文編／洪瑞薇　Banner設計／Dyin Li