藝點報報

Team Taiwan！挺臺灣！今年（2026）開局便有冬奧臺灣隊在冰雪各項競賽上有所突破；世界棒球經典賽臺灣隊展現強大的韌性，力抗各國菁英好手；羽球好手林俊易在BWF super 750印度公開賽、super 1000全英羽球公開賽拿下男單第一，以及葉宏蔚與詹又蓁也在全英賽中拿下混雙第一，同時寫下自己與臺灣羽球歷史新紀錄。

在興趣與天賦裡被挖掘的運動細胞，如《哈奇向前衝》由張榮吉導演記錄著一群喜歡冰上曲棍球的孩子，與他們身後支持與理解的家長，讓孩子在一次次的練習與比賽中，練出健康體魄、建立自信、培養團隊合作。《立雪》由黃原導演記錄天賦與愛好是滑冰的立雪，在臺灣少有專業師資與場地資源之下，堅持走上選手之路，在兼顧學業、高壓訓練之下追尋夢想，也迫使她提前思索末來。

運動員的養成之路阻且長，《冠軍之後、之後》為曾文珍導演在《冠軍之後》的延續性作品，記錄幾位少棒隊球員從小訓練到征戰世界大賽後，隨著成長後面臨現實困境與人生迷惘，他們的唯一可能不再只有棒球。《出口：夢想肢戰》由潘瑋杰導演記錄著臺灣首支身障棒球隊——戰神隊，即使身體有些限制，但他們不屈不撓，用行動證明他們可以創造更多可能。

每年運動員都會經歷大大小小的比賽，在體力調節、賽後修復、傷後的康復之路都極為考驗與重要。紅鼻子馬戲團作品《王牌運動員》透過現代馬戲與肢體喜劇，呈現不同專項運動的訓練困境、運動傷害等問題，看見運動員場下的努力與付出。

有人為國而戰、為愛而戰，如鄧慧恩創作的歷史小說《艷夏已至》，以第一位參與奧運田徑項目的臺灣人張星賢與好友橄欖球選手柯子彰為筆下主角，從各方文件資料與訪談中考究，兩位選手在日本殖民臺灣與滿州國背景下的人生故事，不斷透過運動天賦來證明自己的歸屬。有人則為錢而趨，在鍾劭君導演的動畫片《鬥獸籠》，拳擊手藉著使用禁藥奪得賽場上不公正的勝利與獎金，換取支付妹妹住院醫治的費用。

人生如賽，賽如人生，在我們的生活中真實展開。動見体作品「《戰》首部曲、二部曲聯演」透過運動肢體劇場的形式，以各項運動競賽比喻人生戰場，在不同情境的戰場上進退攻防、猜忌欺騙、挫折成長。

本期藉由藝術計畫看見賽場外的故事，不只是比賽，而是運動員的養成、選擇與人生戰場。運動可以是門專業，也可以是闔家大小一起動起來、觀看、參與的活動，讓我們一起觀賞運動賽事、為選手加油、關注體育！

文編／陳宜萱　Banner設計／Dyin Li

從農曆新年開始，脆（Threads）上席捲一陣半玩笑半現實的提問與測試：「各位初級大人，有遇到什麼要找高級大人的事情嗎？」，「高級大人」的高級能力值可以從小到在家負責切水果延伸到懂跟水電工、瓦斯行對話，從拿電鍋的飯菜到可以決定年菜菜單，但一開始，很多人都在說：高級大人會懂拜拜的緣由、知道自己拜拜該說的話，熟悉老家供桌該擺的拜拜供品、內建拜廟的插香順序地圖、初幾要拜什麼都絕不搞錯。對許多人來說，這些細緻繁複的規矩，要真正夠熟門熟路的「高級大人」才明白清楚。

然而，如果把目光從家庭祭拜移向臺灣各地的廟埕與祭典現場，會發現其實各處都也存在著一群「超越高級的大人」。他們長年走訪地方、紀錄祭祀與藝陣文化；也持續追索神將、乩童與巫師傳統的田野調查；又或者透過影像、聲音與文字，將祭儀現場保存下來，對這些研究者而言，信仰文化並不只是在特定節日完成的拜拜，而是一條需要長時間觀察、理解與整理的文化脈絡。如果說懂拜拜的是高級大人，那麼這些長期進行、實行祭儀或文化研調的現場工作者，或許也可以被稱為一種「神級」大人。

「神級大人」同時也帶有另一層意味——在這些儀式與研究的背後，真正的「大人」其實始終應該回歸到神明本身。善男信女誠心祈願叩首，人們透過各種儀式、角色與身體實踐，期望神明庇佑，也在一次次祭典之中，透過祭儀與參與，加深連結人與神、人與地方的各種關係。在臺灣多元而豐富的信仰文化中，神明並非遙遠而抽象的存在，而是透過具體的身體與角色，出現在成長生活之中。神將、家將、乩童、巫師對我們來說，皆是神人間相當重要且需要尊重的存在。

從以桃園縣大溪地區為範疇的「大溪神將」調查研究，可見流傳的神將文化在地方信仰中的新舊世代發展軌跡，采風民俗工作室透過田野調查與歷史梳理，逐步為神將角色形象、裝扮方式到出陣場合的清晰紀錄，勾勒出專屬地方信仰的交融脈絡。家將扮演著神明護衛與儀式執行者的角色，乩童則往往被視為神意的傳達者。然而隨著社會變遷，某些乩童系統逐漸消失，留下的只剩零星記憶。而李佩儒的台灣如意開基系統什家將團調查，不僅進行系統性資料的整理，讓人們得以重新看見過去曾經活躍「邊乩」傳統的過程，也是在與一段逐漸消逝的信仰歷史對話。

臺灣常見的神明媒介，除有巨大的神將被視為神明的化身，出現在遶境或廟會之中，不限於漢人信仰的神靈媒介也舉足輕重。原民文化中與靈界溝通的角色不但更為神秘，在阿美族的祭儀文化裡，巫師也可被視為是連結祖靈與部落的重要象徵。財團法人原住民音樂文教基金會透過繪本專輯計畫性的整理巫師與祭儀文化，讓祭儀知識被轉譯成更容易理解的形式，使年輕世代也能看見部落文化中的精神世界。神明的降示不只展現於附身，也發生在整個地方社會的儀式空間裡。地方信仰的大型祭典往往需要長時間籌備與集結，這些與在地貼近、自發而又有序的互動，往往大幅度的凝聚影響著地方居民，也默默環環相扣著許多信眾的共同參與、緣淺緣深。

在臺灣，王船醮典是極具代表性的宗教盛事。中華民俗藝陣研究室透過對王船醮典民俗藝陣的調查與研究，幫助宮廟的組陣有更多被看見的機會，並讓人得以理解這些看似熱鬧的儀式背後，其實承載著祈安、送煞與地方團結的多重意義，從建造王船、舉行醮典到最後的送王船儀式，每一個環節都蘊含著深厚的民俗意義。廟宇、藝陣與地方社群在祭典之中彼此交織，使整個地方形成一個巨大的信仰舞臺。吳敏惠詳實記錄關渡二媽茶鄉五年運庄間的各種面相，這種同樣具有地方特色的祭典在數年間以巡訪不同村庄的形式，讓大家彷彿一同隨之踏上了一段長途旅程。信徒跟隨神轎前行、迎駕、參與，也在儀式之中重新建立彼此之間的情感連結。這種跨越空間與時間的巡境活動，不只是宗教儀式，更是一種維繫地方社群的文化行動。

錯落於這片土地上各樣的祭典還有許多。例如宜蘭舊城的放水燈儀式，當一盞盞水燈沿著河面漂流而去，人們將思念與祈願一同送入水流之中。濁水溪下游西螺地區的「謝平安」，居民透過祭典感謝神明一年的庇佑，也祈求來年的平安順遂。這些儀式看似形式各異，卻都指向同一個核心：世人追求心安民安的集體意識，及人們欲與神明共有的持續而穩定的信念與關係。面對快速變的環境，大部分的祭儀文化也正在經歷新的轉變。部分儀式面臨簡化，某些角色慢慢消失，但同時也有不少的研究者與文化工作者投入紀錄與整理的工作，希望透過田野調查、影像紀錄、文化景觀研究與出版計畫等，讓許多原本快要只能被存於地方記憶中的文化，再次的被看見。

這些研究與紀錄不只是為了保存傳統，更讓人們重新思考信仰文化的意義。神將的步伐、乩童的顫動、巫師的吟唱、水燈的明光——這些看似不同的場景，其實共同構成了一幅臺灣信仰文化的圖景。在這幅圖景裡，人們一次又一次地迎向神明，也一次又一次在各式祭儀中，學習擁抱我們與這片土地的所有關係。

隨著神轎前進、王船啟程，也祈願每個開始，都好願善緣；各級大人小孩，都健康平安。

文編／林宜慧　Banner設計／Yu HSU

田孝慈曾於訪談中吶喊出創作者的心聲：「創作真的好痛苦喔！」[1]

作為創作者，產出作品前，大概都得陷入自我懷疑自我期許自我欺騙自我肯定的無限輪迴，再用盡力氣把作品生出來，給大家看（審判）。國藝會的表演藝術新人新視野創作專案，扮演著專科診所的角色，定期為創作者產檢，打造優質環境，協助作品順利誕生。

表演藝術新人新視野專案18年來已與69位創作者共同打造出85個作品，第19屆將於2026年3月15日開放收件。

相較於戲劇與舞蹈領域，王雅平與洪于雯是新人新視野18年來唯二的音樂創作者，兩人都將原有的演出者身分再伸出一點觸角，嘗試跨域創作，雅平於2012年推出《諷刺詩文》，她表示「音樂一定要跟當下的空間產生連結，才能成為音樂劇場。」[2]。于雯於2013推出《Neverland》，評論指出「音樂背景的她意圖結合擊樂、舞蹈、戲劇等領域，開創新的音樂肢體劇場可能。」[3]

2025年以電影《人生海海》獲得第62屆金馬獎最佳女配角的陳雪甄，自2008年即第一屆的新人新視野，連續三年獲選，依序推出《空控 Corn-Complex》、《黑白過》與《廢墟》，並持續在劇場與影劇圈打滾，創造亮麗成績。2025年入圍第一屆臺北戲劇獎最佳戲劇類女演員獎的蔡佾玲，同樣獲選2008年新人新視野，推出《Untitled#沒有抬頭》。

雖然痛苦但保持高度創作能量的田孝慈，2020年與王世偉、李慈湄、Helmi Fita共創作品《群眾》獲得第18屆台新藝術獎表演藝術大獎，也曾於2010年、2012年獲選新人新視野，推出《路》與《旅人》。抱走第19屆台新藝術獎年度大獎的葉名樺，分別於2009年和2010年的新人新視野推出《捕捉》與《脫落》。

新人新視野的補助條件歷經多次進化，現行制度為安排國家三場館八場次的演出檔期[4]，提供製作費、製作統籌與行銷宣傳資源，讓創作者的產程可以少一點曲折，多一點專注，在創作生涯初期階段聚焦在作品本身，並勇敢嘗試各種可能性。

註釋

[1] 出自杜盈瑩撰寫的專訪文章〈2012新人新視野 田孝慈〉，國藝會線上誌，2012年11月2日。
[2] 出自杜盈瑩撰寫的專訪文章〈2012新人新視野 王雅平〉，國藝會線上誌，2012年10月1日。
[3] 出自薛西發表的評論文章〈融合與混雜《2013新人新視野：劇場篇II》〉，表演藝術評論台，2013年9月10日。
[4] 演出場次包含國家兩廳院實驗劇場4場，臺中國家歌劇院小劇場與衛武營國家藝術文化中心繪景工廠各2場，共計8場。

文編／劉竹晴　Banner設計／I-Chyi Chang

「3」「0」對於你我而言，代表著數字或古文裡常見的象徵意義，還是日常生活中環繞於耳的人生節點呢？

猶記小時候看的成長系列小說像是露西．莫德．蒙哥馬利的《清秀佳人》、珍．韋伯斯特的《長腿叔叔》、露意莎．梅．奧爾柯特的《小婦人》。看著書中主角積極向前、把握每個階段發光發熱的那股拚勁，創造出美好的未來，著實讓人羨慕。自己效仿著她們的腳步，一步一步踏實地做好每個階段分內之事。高中時也深信老師們總說：「只有大學進到好學校，未來就掌握在手中。」這句話，亦如「《請問少年》散文集出版計畫」寫的：「向世界伸出觸角，展開翅膀，於現實與夢想間試探飛翔」。然而大學或研究所畢業後，本想成為自己理想中「優秀大人的模樣」，卻因社會的現實狀況而無法達到，「《哀仔》現代詩集出版計畫」點出當代青年的困境，青年低薪、房價上漲等整體經濟環境的不友善，導致對未來難以保持希望；「短篇小說集《釘書機城》」也提到，我們不斷前進卻仍感覺停滯，持續著重覆、拼湊生活。直到……社群軟體大量地如雨後春筍般出現，從YouTube、Facebook、Instagram到各種類型平台，快速充斥著社會，也佔據我們的生活與影響感知。從中可以接觸自己喜愛的各種題材，如︰語言學習、心靈成長、美食、美妝、穿搭、旅遊、閱讀分享、追蹤喜愛的偶像動態等，像「《視覺動物》短篇小說集」裡〈今晚去見松隆子〉一文，主角因喜愛松隆子，對她的每部作品爛熟於心外，也時刻關注最新動態。從螢光幕前一路追星到現場演出，在偶像陪伴下成長，讓日常變得豐富。這些社群內容的出現讓我們暫時從現實的生活環境抽離，轉往關注自己喜愛、有興趣的人事物上面。通過社群軟體提供的資訊，還能在現實生活觸及，延續著這份熱愛。不管是透過社群療癒、發現自我，還是在現實中逐漸找到自己的步調，始終都有一盞燈指引著，就像「《城市燈塔》現代詩創作計畫」描述人們在變動且迷惘的狀態下，尋找著人生方向，而燈塔始終佇立，引領著人們航向屬於自己的生命航道。

二十幾歲在緊跟他人的步伐下前行，還伴隨一些明顯的困惑、迷茫、不確定感，進入三十歲後，雖然也會有困惑、迷茫、不確定感產生，不過心態逐漸從「形塑別人眼中的自己」轉變到「開始學會以自身定義自己」、思考「我真正想要的是什麼？」這個重要課題。

三十歲，沒有既定的人生公式，只有用心經營、適當選擇、在熱愛與現實間取得平衡，自在恣意的成長。不拘泥應該成為……或不應該成為……，只管「過程」，快慢皆掌握在自己手中，每人都有自己成長的時間軌跡，同時屬於自己心中的模樣也會逐漸清晰。

文編／潘雅惠　Banner設計／Shang-Ru Tsai

走進這個專輯時，請先慢慢想像眼前出現的顏色。每種色調，都在和你的感覺對話。例如：黃色的明亮，像窗外灑落的晨光，溫暖心房；綠色像柔軟的土壤，支撐心裡需要休息的地方；藍色的安靜、沉穩，讓呼吸跟著放慢；紅色帶著脈搏的節奏，提醒我們感受身體裡的能量；這些反應不是幻覺，而是人類自古以來就存在的本能。

顏色是視覺的元素，更是思考與感受。每種顏色能映照創作者的內在情感，也引發觀者的共鳴，顏色也可以是理解世界的另一種語言。在未有語言前，人類依靠顏色認識環境、辨識時間、感受安全與危險。顏色的力量比想像更直接，也更貼近情緒。每個人看同一種顏色時，心裡浮現的畫面可能不同，這些差異都是故事，也都是感受的延伸。

希望藉由本專輯的閱讀路徑中，帶領讀者從藝術的顏色，閱讀作品如何在形式、材料與色彩之間展開對話，在藝術調色盤裡，感受世界的呼吸吧！

文編／王慈憶　Banner設計／Dyin Li

「海洋對地球上的生命和我們的未來至關重要。」——2022年聯合國海洋大會政治宣言摘錄

海洋關係著你我和同在這顆藍色星球諸多生物生命體的重要性，相信大多數人多少都有些認知。然而，身處在一個四面環海的島嶼國家，我們除了感受海的靜謐美麗，卻也對它有著難以親近的陌生感。近年隨著海洋素養教育的推動，及為回應國際地緣政治與氣候變遷的挑戰，臺灣也已成立海洋委員會、制定通過《海洋基本法》、《國家海洋政策白皮書》、《海洋保育法》等，與此同時，也湧現不少以「海」為主題的藝術節、展覽、音樂會或論壇的舉辦，透過藝術為媒介，邀請民眾探索體驗海洋的文化內涵。

藝術創作向來無法忽略身處其中環境的變化，當藝術家或藝術團隊以其敏銳感知，主動或依著機會的創造面向海洋，在大海的召喚下，有著什麼樣的遭遇，又各自以何種藝術形式回應與行動？讓我們暫且卸下慣常的陸地思維，跟隨藝術家的感知與視野，一同潛入海洋！

啟發創作的海

「繼續下潛。」在科技部邀請下，三缺一劇團將關於海洋的科學知識透過藝術的視角轉化，發展跟海洋探測有關的劇作《陌生海》。海洋的深不可測，正如我們對自己的認識一樣微小，啟發了導演賀湘儀將其作為創作核心，將劇場轉化為一片深海，帶領參與者一起經驗未知自己的旅程。許家維工作室與清華大學人類學系合作，實際參與澎湖周邊海域水下考古研究，作品《沉沒的聲音》以三艘歷史沉船為靈感，同時利用水下考古的核心技術「聲納」展開聲響創作，亦結合遊戲引擎建構虛擬場景，邀請觀眾搭乘虛擬船艦進入跨時空航程，感受歷史的記憶與殘響。

同樣來自於海洋聲音的啟發，作曲家林佳瑩向海洋生命學習，她以探討鯨豚的特殊社會性與謎樣聲響表情，用大規模編制與特定長度的大型三管制管弦樂寫作新曲。藝術家林彥君於德國駐村期間，與海浪近距離共處三個月，她聆聽（靈聽）各種海洋的狀態、嘗試不同的聲音錄製手法及分析，並進而探問：海洋有意識嗎？

承載歷史的海

不同於陸地中心的主流敘事，作家曾昭榕思索如何以海洋的觀點與敘事中心建構不同的歷史架構，她先後於2021、2022出版歷史小說《海道：紫氣東來》、《海道：海東清夷》，撰寫明末的海道／海盜史。林昀範的「海洋美學與藝術運動－台灣當代藝術團體魚刺客」調研計畫，則嘗試將海洋作為一種藝術認識論的角度，以此理解台灣知名的已故藝術李俊賢及其帶動與實踐的一種海洋美學。

藝術家藍仲軒有感於海洋乘載許多歷史事件並持續地影響現今的世界，個展「大海之所以浪漫是因為它沒溺死你」透過改造、翻轉及重新詮釋的手法，再現四個航海歷史與場域，試圖向觀眾提問：當我們已習慣遠眺大海的浪漫，是否對這些悲劇毫不知情亦或視而不見？

根植文化的海

「我的精神，我的肉體，我的知識是海洋養育的。」蘭嶼達悟族海洋文學作家夏曼．藍波安，以自己追尋、學習及傳承海洋文化的親身經驗寫作，《大海之眼Mata nu Wawa》是他立誓走自己的路、重回海洋的自傳小說，新書《黑潮親子舟》是承載著上一代傳統生活、父子共造一艘親子舟完成「航向大海的心願」的書寫紀錄。

同為達悟族的紀錄片導演張也海．夏曼，關注如何重新復振其族人的海洋文明、延續海洋的精神價值，紀錄片《尋路航海》、《海洋人生》，談及臺灣海洋民族與南島海洋民族文化對海洋與航海復振的觀點，認為「海洋不是阻隔，應該是互相連接的道路」，反思如何從全球化下的經驗中將話語權找回。

連結島嶼的海

廣闊海洋中各自孤立的島嶼，可能透過海洋相連形成的關係網絡，建構起共同經驗？2019年澳洲Australia Performing Exchange藝術總監Sally 提出以南海島礁議題作為臺灣與澳洲、東南亞藝術家相遇的起點，邀請演摩莎劇團參與共創，該劇團藉合作交流反映溝通臺灣的國際處境，其所發展的《海島計畫》，也嘗試去理解我們當下與即將面對的未來海境（海平面上升與餐桌海鮮的消失），討論未來世界的可能樣貌及人類命運。

藝術家張致中以探討東沙群島背後的地緣、生態與國際水域的現地裝置作品《珊瑚洲》於2024年受邀參與廣東時代美術館《島亦有道》展覽，該展亦將目光投向島嶼，聚焦在亞洲及太平洋西岸的海洋之上，重思關係網絡的形成緣由，並提問需要什麼樣的批判性未來想像。

行動守護的海

當前海洋面臨了多重危機，藝術家也以各自的創作守護海洋。藝術家拉黑子．達立夫自2014年開始的「五十步的空間」計畫，至2018年的「海 美／沒 館」，持續於太平洋邊岸撿拾海洋裡的人為廢棄物，作為其創作概念及建構出的海洋敘事與感性形式。藝術家藉由提出的「撿拾」與「觀看」，期讓海洋的改變能回到個人的生活脈絡，共同意識下一階段文明應有的樣貌。

蔡凱文的「當牠們死去──海洋污染書寫計畫」聚焦人為污染對海洋生態系的深遠影響，其詩作涵蓋包括海洋垃圾、聲納污染、填海造陸等多層次環境議題，並將非人類物種的視角納入文本敘事，強調人類文明與自然界間難以修復的傷痕與倫理責任。

而有感今日種種海洋環境衰竭問題，需從更多層面去探索、認識與感知海洋的迫切性，澎葉生「How Corals Think 珊瑚如何思考」是對在地海洋環境關注與紀錄的中長期創作計畫，他以聲音採集為媒介，探索及聆聽珊瑚礁環境的聲音世界，並與澎湖在地海洋研究人員及NGO環境團體連結，以延展及挖掘更多可能。InTW 舞影工作室的「與海共同編的舞──海濱環境舞蹈紀行」計畫，串聯台灣在地守護環境的團體，號召群眾隨著舞者的舞步走遍全台灣的沙灘，用藝術的方式讓群眾親海、認識海（的環境議題），期以溫柔且堅定的步伐守護我們的島。

結語——回應海洋的未來

藝術家們以自身方式回應海洋、海洋環境的現況，也回應身處在島嶼的我們，藉由藝術的感性，將「海洋」轉化為可經驗、可感知、可思辯，更是理解自身與他者、連結更廣大世界的存在，但願也開啟你我更多對於海洋思維的想像。而面對海洋與氣候變遷的迫切未來，或許借用海洋民族的智慧值得參考，即：重新尋回對於海洋的敬畏和尊重！

文編／詹季宜　Banner設計／I-Chyi Chang

把演出搬離音樂廳的舞臺，近年的臺灣音樂現場不少離家出走的展演，有的走進老屋、工廠、歷史建築、實驗場域，甚至是戶外的公園街巷間。場地不只是容器，而是創作及演出的一部分，而環境不只是背景，也是聲音作品的一環。

一公聲藝術以臺灣樂器工藝為起點，走入苗栗縣禾豐工藝木魚工廠，展開探尋在地聲響的第一站「共振計畫：木魚」。計畫透過駐地觀察、聲學實驗與跨域對談，讓傳統寺院用器走出框架，由作曲家轉化為具多樣聲響的當代器物，最終回到木魚誕生之地完成展演與交流。

台中藝術家室內合唱團在歷史建築一德洋樓（林懋陽故居）中演出「唱咱臺中ê歌」。歌詞是以臺中地景及文化撰寫詩作，委託五位國人作曲家譜曲，作品在歷史風情的場域發表，極具意義。「鋼琴雙傑古典實驗場」透過雙鋼琴與VJ影像共演，觀眾沉浸在五面投影與環場聲響中，古典曲目與臺灣民謠改編在「非座式」的觀看中被重新聽見，是新鮮的沉浸體驗。

「聆聽老靈魂-《草地記憶本》創作系列計畫」以公園為聲音創作場域，邀集長者在草地進行行走聆聽、田野錄音、聲音繪圖與聲音書寫等工作坊，將個人的地景記憶轉化為圖像譜與聲響素材。最終由音樂團體「半規管 semicircular」的重新轉譯音樂語彙，並透過線上發表，與參與的長者共同分享創作成果。不二擊打擊樂團「《耳朵怪的聲林秘密基地》聲音裝置展」是由聲音藝術家薛詠之與視覺空間藝術家趙鈺涵共同創作多件可觸發的裝置，民眾能從孩童的視角透過敲擊、搖晃、穿梭與傾聽，重新探索聲音的有趣，適合各年齡階層參與。

把音樂帶離音樂廳，不是為了特別而特別，而是讓作品回到生活與地景的脈絡，參與其中你或許會忽然明白，聲音無所不在，我們其實一直住在一座巨大的樂器中。

文編／蘇柏政　Banner設計／I-Chyi Chang

「但一場奇蹟越偉大
而一次奇遇越危險，
就越值得渴望迷戀。」
——Chrétien de Troyes《艾雷克與艾妮德》（Érec et Énide）

某時刻、某段時刻、在某段時刻間……。時刻擁有自身的某個「發生」，這是此時刻自混沌中無可避免的發生，發生與它自身現實化的邂逅。時刻總是在每個偶然的拐點中奇遇、命運的拐點中奇遇，或者，奇遇使得命運與偶然得以形塑出他們之間具有表現性張力的奇遇，這是一種對於命運與偶然各自的再化身，使得被注定好的命運法則偶然化，使得不被注定好的偶然命運化，命運的命運即是偶然，而偶然就偶然成為了命運。某個主體不可避免的被遭逢了一場遊戲，邂逅了一場主體自身內外張力的奇遇，這是奇遇與其伴生物在既已來臨或尚未到來的諸時刻交匯的遊戲：偶然、命運、奇蹟、危機、尋找、冒險、事件、機遇，這就是奇遇發生學。

我們想關注的是某種特性化的奇遇，這個奇遇使得偶然與命運被配置的於其自身上，它的對象來自於它自己的不是它自身之變化中。這是藝術創作的非藝術奇遇，以持續在其身發生它所不能及之物發現了一種客體性，在其自身所勾勒出的疆域中發現了一種直接關照的客體性，這也是何以作品能被持續倍增其作品意義的關鍵。這種一體卻複性的分裂客體性，將呈現在分佈於藝術中的諸特定屬性和表現模式連結的奇遇質素中。除了是與外部環境奇遇而給予的影響與被影響的被動形式外，奇遇性的關鍵是我們如何在被動的奇遇中去主動奇遇，為認知在屬性和表現的自我特性中，如何特性化的再自我特性，透過直視命運與偶然間遊戲的感知，不斷從我們自身的變化中分離而感知遭逢的機遇，我們才有更下一步變化的可能性，而這也是奇遇發生學的藝術問題。

於是在「國藝會補助成果檔案庫」中，藝術的問題被以奇遇發生學的獨特詢問再次的提問於每個創作者的奇遇：

由舞蹈生態系創意團隊分別於2021、2023、2024發起的「舞映島」系列計畫，使得舞蹈從劇場或特定空間出走至環島計畫的冒險。這是關於舞者與當地文史環境、團隊的限地（Site-specific）「舞島-身體發生學」，每個特定身體故事被每個特定環境的特性即興機遇的裂解為只屬於某限定關係下舞島故事。除此之外，舞島故事的創作形式將與影像接融，這是身體進入平面影像的尋找，也是影像如何舞蹈化、環境化的機遇，舞蹈與身體在影像裡尋找它「影像化的舞蹈身體」，這是舞蹈屬性在自我特性中歧出的變化。由舞蹈、身體、島的文史環境、影像，所串連出來的是一整個生態系的各維度媒合，這便是生態自然：即人、物種和不同媒介的和平相遇之邂逅，由形成一個可關照自身且不同生發的多元系統。

什麼是身體？我們甚至不知道一個身體還能為我們做什麼？一個斯賓諾莎式的身體命題如何在當代藝術中被奇遇的轉換或再詢問？藝術家周巧其與胡悠揚在其「『鼠計畫』千年虫x陳俊宇-2023」作品中與行為藝術家陳俊宇共同佈置出一等待使身體產生事件的場域機器。陳俊宇的人-鼠變化，將完美展示被用以極為精密的數據機器程式系統來計算數位身體的命運母題中，不過這同時又被包裹在一場由行為藝術的展演所生效的偶然內。行為藝術的介入下使佈置事件的強度擁有其特異的自反性，非人機器的數位身體正在延異與擴充它原身體的來源，卻是透過展演的檢視，誘導倫理問題的主動性增加不可見事件的暗潮之處。詢問身體的本質與詢問行為藝術的本質同時在此作為一種危機，也可能是奇蹟的展現。同樣作為反思身體與技術間倫理問題的作品，藝術家許哲瑜的「『神經身體與成像』研究與創作計畫」，由藝術家發現「複視（雙重視野）」的病理徵狀中開展出對於關注身體在「神經」與「成像」這兩個特殊媒介下交匯的奇遇。掃描技術的建模所產生的物質-身體形式，給予作品自我對自我客體性問題能產生事件的場域。作品中物質-身體所表現的製造空洞感，與旁白敘事所陳述的虛實辯證之想像寓言，承載在近乎虛無世界實境的斷裂性上，那敘事與物質互相錯差的美學氣質中，使作品的整體內在形成了一股正進行的不可知變化哀悼儀式。

自二十世紀四五零年代開始，由法國的Pierre Schaeffer, Pierre Henry所開展的具象音樂（Musique Concrète），以及從The New York School所開展的不確定性音樂／機遇音樂（Indeterminacy music / Chance Music）以來，音樂，或著說聲響，開始被解放自音樂的定義，往更具其自身本質的面向被創造與探尋，聲音作為極具不可見又不可捉摸的一個媒介被開發與擴增，聲音如何被製造出來或自我製造出來，這是聲音在其不可見本質中奇遇的發生學。製作循環工作室的「《Be⁷記得》聲光混域之新詩學超譯呈現計畫」將光與聲響的現場性之潛能做配置，使其在融貫、錯差、相輔相成又互相消解中變化。聲響的屬性依附於光的可見脈衝之表現上，而光的屬性亦被依附於聲響於空間中傳遞的輻射動態性中，擊樂演奏、即時調變及預製電聲、多聲道環繞聲場系統及繪畫等各維度音色與泛音的調變都與光的流體性產生機遇的現場性感知。而由NanaFormosa 擊樂二重奏為創作核心進而連結當代作曲、聲響、影像、展覽、臺灣素材而整合成的作品：「裂變—漂浮小鎮嘉德阿威亞 (Gad-Avia)的一天」。「嘉德阿威亞」的虛擬性作為事件的起點，為「臺灣」的位置提供一不在場的在場性證明，正如聲音與影像的看似複製現實之模仿，其實虛構之物根本即作為自身的體現之特性，詮釋出特性化的臺灣訪本之冒險。何謂臺灣的聲音樣貌？此作的問題性促使作曲家與影像設計師田野的捕捉聲音、影像等質地，將臺灣這個島嶼的概念與元素，現實化的凝縮於一多樣態的實際卻又虛擬的舞臺島嶼上。聲響在這個作品所自我獨立的便是在兩種意識的表現：打擊既作為島嶼現實化之擬仿，又以其聲響性屬性特性勾勒自身，這是器樂在此具有的雙重性命題之游移奇遇，對觀者的、亦是對正在表現它的演奏家、與作曲家的。每個聲音與聲音在它自身快、慢、動、靜下的質量下，既是現實場域的密度，也是偶然契機的振幅。聲音在光影與身體的交織中，不再僅僅作為一種可感的媒介，而是化為一種發生的契機——一次奇遇。聲響的發生不是被動的呈現，而是自身與他者、現實與虛構、技術與感知的互相逼近。

奇遇發生學沒有終點，它只是一個不斷自我更新的疆域——一個必須在偶然與命運、危機與奇蹟之間，保持開放的實驗。然而當藝術已經超出它的疆域，我們是否仍然能夠辨識那個「奇遇」的瞬間？亦或，正是在這種無法辨識中，奇遇才顯現出它的真正的力量？

文編／林翰祥　Banner設計／Shang-Ru Tsai

臺灣的妖怪故事，如同迷霧繚繞的森林，隱藏著無數鮮為人知的傳說與奇談。這些妖怪不僅存在於口耳相傳的民間故事中，也是當代創作不斷汲取靈感的泉源。從舊時的傳說，到今日的音樂、劇場、文學乃至視覺藝術，臺灣的妖鬼文化在傳統與現代的交錯中，正在展現出無限的可能與創新。

最具代表性的臺灣妖怪之一——林投姐，便成為當代藝術家創作的重要題材。何曉玫MEIMAGE舞團以林投姐作為女性身體創作的發想主體，打造出「林相繽紛—林投姐ㄚ 女性身體從肉身到虛擬的極相與無相輪迴」。作品透過袒露赤裸的肉身，融合創傷與創生，於舞蹈劇場中創造出介於現實與虛幻之間的空間，進行身體與記憶的辯證。在跨域合作方面，亦有笙根蘭陽「A Root同根生 X 武徹太郎 臺日妖怪文化研究暨音樂創作計畫」，藉由與日本古謠及妖怪音樂創作家武徹太郎的討論，參考日本在詮釋妖怪文學轉化為創作過程的成功經驗，發展成臺灣妖怪音樂，開啟亞洲當代傳統音樂的新風貌。

文學創作中，邱常婷的「怪談《紅衣小女孩》兒童小說計畫」，以都市傳說為基底，融入童養媳、校園霸凌及輕度智能障礙兒童的社會議題，開拓了兒童小說的新類型。陳育律的「極短篇小說集《仁愛幹線：臺北奇譚集》創作計畫」、王幼華《花麒麟的神鬼奇譚》將妖怪與都市傳說結合，構築出奇幻與懸疑並存的世界；羅傳樵的「長篇小說《金魅殺人魔術》」則融合犯罪與妖魅傳說，在懸疑推理的脈絡中重新塑造妖怪的神秘形象。

劇場領域同樣活躍，再現劇團的「台灣妖怪演劇計劃Ⅱ《落人之家》」、臺北木偶劇團的《白賊燈猴天借膽》、全西園掌中劇團的「虎姑婆（AUNT TIGER）」等，皆透過戲劇語言，讓觀眾透過表演感受妖怪的神秘與魅力。

在調查與研究方面，臺北地方異聞工作室透過「《尋妖誌》：貼近島嶼的記憶之旅──妖怪調查、寫作計畫」，記錄研究員前往調查十一個妖怪傳說之考據、考察成果，並整理各地方之景點介紹，並以照片與遊記呈現各地的文化景觀。何敬堯的「妖怪臺灣：沉睡的三百年島嶼魔幻故事」研究成果蒐羅了臺灣從四百年前摘選關於臺灣的「妖怪」與「奇譚」的文字記載，為這些傳說提供完整脈絡。

這些當代作品並非僅僅重述傳統故事，而是透過重新詮釋，賦予妖怪新的意涵，既是對過去的傳承，也是對當下社會與個體心靈的回應。在這樣的文化轉化中，妖怪逐漸脫離了單純的恐怖象徵，成為一個具有深刻文化內涵的創作領域。臺灣妖怪文化的多元再現，不僅讓古老的傳說延續生命力，也讓這座島嶼的文化風景更加神秘而迷人。

文編／林佩儀　Banner設計／Yu HSU

臺灣表演藝術團隊多屬中小型編制，創作以外的事，都是藝術行政的事，而創作者所有的大小事，也可能還是藝術行政的事，於是常會聽到某某藝術行政說他想要休息，大概是被榨乾後，需要一點修復時間。這時候，出國走走，看看世界，會是大多數人的選擇。

離開熟悉的場域，連水喝起來的味道都不一樣，感官打開了，心胸與視野也跟著開闊起來，原本僵化的思維模式有了鬆動的可能性，國藝會的「海外藝遊專案」與常態補助「藝文環境與發展─藝術行政人才出國進修」，歷年來支持多位藝術行政／製作人海外進修，補助旅費、生活費等項目，讓獲補助者更無後顧之憂。

1. 黃雯的「小城故事」，用3個半月走訪歐洲多個藝術節，思考表演藝術作品與觀眾的關係、創作者的發展空間與臺灣文化的優勢為何等議題。
2. 徐子玉的「《跳出劇場，翻轉空間》：歐洲藝術節與沉浸式劇場的發展與實務訪查」，70天內參訪7座城市5個藝術節，實地觀摩大型藝術節的規劃與甄選機制，將經驗轉化到自己的團隊營運。
3. 陳敏伶的「【表演藝術行政工作者的練習計畫】─UK藝術節慶參訪與勞動執行」，3個月走訪4個國家7個藝術節，進入專業組織擔任志工並進行訪談，實地操作募款與宣傳等工作，強化藝術行政功力。
4. 方秀慈的「進駐倫敦 Ｍiddlesex Ｕniversity－ResCen 實習進修計畫」，因新冠疫情影響調整原訂計畫，擔任愛丁堡藝穗節實習生，參與籌備論壇，與場館及藝術家建立連結。
5. 林人中的「歐陸當代表演觀察旅行計劃」，以藝術家、策展人和製作人的身分，3個月走訪德國、法國與比利時多個城市，深度觀察表演藝術與行為藝術表演，遇見近80位藝術家，建立連結的同時，也思考著國際交流的意義。
6. 廖苑喻的「寶寶劇場的社會連結—英國摘星駐地觀察」，以寶寶劇場為主軸，參與英國教育組織─摘星的各項計畫，為臺灣藝文界帶來寶貴的第一手觀察，也為臺灣的嬰幼兒藝術環境貢獻所學。
7. 吳瑞珍的「來辦一個『台灣國際原住民舞蹈藝術節』吧！—紐澳印尼前置踏查」，在自身具備豐富國際文化交流的背景下，觀察澳洲、紐西蘭與峇里島如何策畫原住民與傳統文化主題的藝術活動，並將所學注入到未來籌辦的節慶活動中。
8. 羅尹如的「自力營生與社群經營的藝術生存參訪計畫——美國駐地觀察」，近身參與美國的雅各枕舞蹈藝術節，另參與在馬來西亞舉辦的亞洲製作人平臺工作營，了解不同國家的藝文生態。

上述8位藝術行政／製作人透過觀察、參與、實習等方式，學習異地文化，帶回靈感、連結與經驗。容易情緒勞動過載的藝術行政，或許曾在工作的待辦事項之海中懷疑自己，出去一趟，總能再遇見喜歡藝術的初心。

也許離開，只是為了再回來。

文編／劉竹晴　Banner設計／Dyin Li