藝點報報

2020 7/31

跟著孩子的.想像與冒險

跟著孩子的.想像與冒險

2020/07/31No.19

文編/詹季宜 Banner設計/王景銘

「跟孩子學習,先放棄意義,跟著想像冒險,也許我們能一起抵達不可知的遠方。」——鴻鴻(註1)  

今年上半年受到COVID-19疫情影響,在安全考量下不少以兒童為對象的表演節目、藝術節等紛紛取消或延期。隨著疫情減緩與場館解封,7、8月如臺北兒童藝術節、新北市兒童藝術節、華山親子表藝節、屏東縣兒童青春藝術節等與各場館的親子節目已陸續舉辦及演出。幸運地,在台灣的我們仍能期待迎來孩子們在劇場裡的笑容。

邀請孩子走進劇場並非是一件新鮮事,但隨著近年有愈來愈多不同性質藝術工作者及表演團隊的投入,並更為關注劇場中能為不同年齡層提供可參與的藝術型態/節目,且著眼於劇場觀眾的向下扎根,同時藉由對過往國內兒童劇場演出慣性的打破,將其視為一創作革新的領域,表演團隊也透過更為細緻的創作與表現,進行著各自演出作品的實踐,期能打開我們對於兒童劇場的想像。

如飛人集社「小孩也可以看系列」,編劇周蓉詩有感於法國兒童劇場與台灣的思考差異,選擇不說教、不簡化、以平視孩子們的眼光,與孩子一起思考討論生活遭遇的真實問題。《長大的那一天》(2012)談論孩子所執著且人生不可避免的「成長」生命歷程;《天堂動物園》(2017)則用孩子可理解語彙,觸發「如何面對不同」的議題。而在充滿詩意與驚喜的光影偶戲、物件造景、肢體遊戲、音樂設計等獨特表現手法下,不僅不會讓孩子喪失觀賞興趣,更使作品含納多重層次的想像空間。

舞蹈空間舞蹈團於2016年重製《不聽話孩子的故事》,2017年續以小野原著《藍騎士和白武士》童書為發想,製作系列2《藍騎士和白武士》,該作品同樣以鴻鴻擔任編導、編舞家賴翠霜負責編舞,藝術總監平珩描述這是由一群「不聽話」的大人(導演、編舞、舞台設計、燈光、舞者……)於創作過程相互比拚、自我挑戰,最終製作出的一齣更自由大膽,讓大人小孩看了開心並得以接觸舞蹈藝術的作品。2018年另與無獨有偶工作室劇團合作的舞劇「史派德奇遇記之《飛飛飛》」,持續開發舞者,使找到更多的表演空間與能力。

《奧列的奇幻旅程》(2016)為FOCA福爾摩沙馬戲團第一齣從兒童角度發想的兒童劇作品,該劇講述一個能夠回溯時光的老人奧列,藉由魔法幫助小男孩馬弟克服恐懼面對自己過去的故事。整場演出沒有台詞和對話,FOCA嘗試通過身體與馬戲元素物件(雜耍棒、大鐵環、雜耍帽、默劇等)作為敘事語言,帶給觀眾更為豐富的想像空間及兒童劇新的觀看體驗。

為更低年齡的寶寶、幼兒提供劇場參與經驗,相較歐洲各國已積極發展,台灣這幾年方逐漸有不想睡遊戲社、人尹合作社、両両製造聚團等投入,藉由提供自在探索的安全空間、豐富感官體驗的互動設計,為孩子們與成人觀眾提供與表演藝術親密接觸的參與經驗:

不想睡遊戲社《一欉樹仔》(2016)藉由詩意的語言和大量導入的真實野地錄音自然聲景,為孩子講述被魯凱族稱為「撞到月亮的樹」(台灣杉)的故事;人尹合作社《馬麻,為什麼房子在飛?》(2018)透過巧思與設計邀請寶寶一同玩光影、玩聲響、玩觸感,共同探索日常生活常見的物件;両両製造聚團的《H2O》(2018),以舞蹈劇場結合聲音、肢體互動演出,用空間與身體體現水的各種樣貌與狀態,帶來美好的「水」體驗。

最後,透過兒童劇場提供「本土體驗」,盡量呈現自己本國或本地的文化,是近三、四十年世界兒童戲劇的發展潮流(註2),在近年台灣兒童劇場的演出中,相關本土演出題材仍待投入開發,期待未來可以有更多關注我們生長土地的演出,如:

紙風車劇團《順風耳的新香爐》(2015)為改編作家李潼獲洪建全兒童文學獎作品,是以台灣廟宇及民間傳說的神明順風耳為故事主角;如果兒童劇團《我的媽媽是薛丁山》(2016)則將台灣悠久的廟口歌仔戲、電視歌仔戲文化搬演在兒童劇的舞台上;影響.新劇場《白鯨記》(2016)雖創作靈感來自於美國文學經典《Moby Doick》,編導呂毅新卻希望創造出屬於台灣兒童的海洋傳說,融入台灣本土神話西拉雅人傳奇、達悟人飛魚傳說等,讓孩子能對於台灣的海洋文化及生態有更深切的連結。

面對未知的後疫情時代,劇場帶來的真實人與人連結與現場感受的劇場魔力,對需要五感體驗的孩子更是不可取代。跟著孩子的想像冒險,不僅是對專業藝術團體的挑戰,也需要大人們一同打開自我限制的種種預設與給予帶孩子一同走進劇場的支持!

 

註釋

註1:引自2017 舞蹈空間 X 親子計畫「不聽話孩子的故事 2 -《藍騎士和白武士》」導演的話。
註2:參考王添強(2020),〈兒童青少年戲劇創作母題(一)〉,檢自:https://www.thestandnews.com/art/兒童青少年戲劇創作母題-一/

2020 6/30

我們的島

我們的島

2020/06/30No.18

文編/詹家瑄 Banner設計/唐唐

「那遙遠的福爾摩沙,是我堅心摯愛的所在。在那裡,我曾度過最精華的歲月;在那裡,是我生活關注的中心。為了在福音裡服事那裡的人,即使賠上生命千百次,我也甘心樂意。」——馬偕(註1)

福爾摩沙、鯤島、大員、高砂、台灣……都是這個鑲嵌在碧波萬頃之中的蕞爾小島曾被呼喚過的名字。

逝者如斯夫,小島也改變許多。擁有各自文化語言的原住民族、驚鴻一瞥而發出喟嘆的葡萄牙水手與西方傳教士、橫跨凶險黑水溝的唐山移民……。再來後,太陽旗升了又降,取而代之飄揚的是青天白日紅旗。

這些過去的歷史故事漸漸變成新一代人的日常生活。許多人開始意識到原來我們的家是如此複雜,台灣有自己的歷史嗎?台灣有自己的文化嗎?台灣到底是什麼──我是誰?

有人從自身經驗出發,連結到整個時代的共同記憶:

丘延亮《六零年代「台北之春」人文誌》追想六零年代台北,還原那一代人有血有肉、有笑有淚的諸多記憶,免於抹滅於時間的洪流。李立中《竹篙山之役與紅腳笭》發現台灣鴿子的養殖興衰,和這片土地的被殖民史有密不可分的關係。始終以攝影關懷台灣土地與社會運動的潘小俠,用相機拍下《臺灣作家一百年》,記錄台灣的百年文學風骨。

有人透過演出,將過去的文化瑰寶添上新風貌,繼續傳承下去:

台灣絃樂團「土地的歌聲」音樂會,藉由演奏出閩、客、原住民及外省族群的經典歌曲,呈現這塊島嶼豐富的文化情景。台北愛樂室內合唱團《印象台灣II》當中結合華語詩文與音樂,亦有從台灣的地貌風物、人文景色汲取靈感的合唱曲目。以傳承歌仔戲為己任的薪傳歌仔戲劇團,突破傳統老戲範疇演出的新編劇目《夢斷黑水溝》面向本土題材,劇中更採用許多古典的台文俚語,為本土歌仔戲開展新枝。

有人在個人的、同時也是台灣的記憶裡探索,提取、淬鍊後新生:

林祐如編舞與另五位藝術家集體創作的《台灣製造》因藝術家思索「什麼是台灣?」而起,編舞家、舞者從共有記憶的共鳴中提煉素材,完成這部乘載台灣集體記憶的舞作。

中提琴演奏家楊瑞瑟致力探索台灣民謠的新可能,台灣中提琴室內樂團「楊瑞瑟與好友們的台灣印象」音樂會請到五位不同世代的台灣作曲家,各譜寫出五首不同的台灣之歌,用音樂演繹出這座島嶼不同面貌。

人力飛行劇團《M,1987》為1987年的兩齣戲《拾月》和《兀自照耀著的太陽》重整組成,也是導演黎煥雄的生命記憶。1987年,鎖住臺灣的「戒嚴令」解除,是從威權體制邁入民主轉型的重大里程碑;30多年後透過新世代的目光去凝視這一段時代傷痛,重新審視這個揮不去的幽靈之於現在的意義。

鄉土記憶、國族情感、文化傳承與自我認同,這些複雜的情感堆砌沉積成腳下的底蘊,也成為藝術家們思索追尋後再創作的養分,為福爾摩沙的前世、今生與未來增添更多絢麗色彩。

 

註釋

註1:馬偕(George Leslie MacKay)著,林晚生譯,《福爾摩沙紀事:馬偕台灣回憶錄》,前衛,台北市,2007,頁355–356。

2020 5/29

與萬物同行–探索窗外的沿途風景

與萬物同行–探索窗外的沿途風景

2020/05/29No.17

文編/黃品嘉 Banner設計/Francis Lin

偶然在整理這篇報導時,瞥見一則段落讓我印象深刻:「頭三天我花了很多時間待在蚊帳裡,頭一週我全身聞起來就像防蚊液,接下來我慢慢理解,我身為一個人類,也只是和所有的動物植物昆蟲或任何我叫不出名字來的生命共享在這裡的生活,hola,和大家問好。」這是藝術家曾彥婷於2016年前往秘魯Sachaqa藝術生態村駐村,於計畫報告所寫下一開始的適應過程。

回顧這幾年的新聞,關於生態的警訊已經浮現,看著滿是傷痕的土地,面對接踵而來的問題,到底「人」之於環境是什樣的存在?在傷口的背後,總有許多夥伴致力於去保護和修復我們與環境的關係,然而藝術家們則透過創作與研究,去建立一個個與環境的連接,並在每次的實踐背後重新認識自己。

聲音藝術家澎葉生創作計畫「How Corals Think 珊瑚如何思考」便前往澎湖群島透過聲音採集去聆聽海底珊瑚礁的世界;野地錄音師范欽慧持續前進山林,並書寫無數個關於臺灣生態的聲音;周靈芝則透過探討嘉義「蚵貝地景藝術論壇」過程和後續發展,將「對話」作為研究調查,並與南方家園文化事業有限公司合作出版,將所見所聞的故事留存下來,以及延續對未來的提問。
藝術家莊志維《轉生樹》獲邀前往釜山市立美術館參加《Botanica》(植物學)展覽;藝術家李蕢至則飛往保加利亞「加布羅維茨自然藝術節」駐村,作品選材皆來自於環境。其中作品《森林守護者》藉由倒木、腐木為媒材,並透過堆疊擺放方式,除了提供生物棲地,也發揮朽木的特性將能量重回森林,提供循環。

生物藝術家顧廣毅帶著《千年人參計畫》系列作品前往荷蘭恩荷芬TAC藝術中心《Farming the Future - Zoom In and Out》展覽,並在對未來農業發展的想像與批判主題下思考未來可否藉由生物科技開發出新的農業系統;同年,海外藝遊者賴怡辰前往歐洲,帶著自身的背景前去拜訪各植物園及相關科學家,探索在不同研究機構下藝術如何進入植物園場域。

不論是作為怎樣的居民,抑或是短暫的過客,我們都是住在相同天空下、感受相同時間速度、迎向相同未來的生命體,透過每一次的清創,依然要努力學習與自然共處。在現今面對困境的我們,更要珍惜擁有的一切,擁抱生命,擁抱彼此。

2020 4/30

食物的再現

食物的再現

2020/04/30No.16

文編/林家蓁 Banner設計/唐唐

「任何進行創作的人很快就會發現,他是在創造自己。」

                                                                                                               ──哈路德˙羅森堡

由國藝會補助成果裡,作者同樣以食物為題材,並將內在的感知經驗與周圍環境建立創造性的思維;自我反思深省,也探尋生命本質,創作的一點一滴皆成為世界。

以試圖消解美術館分界的唐唐發為例,「不經意的好」與「市場學藝」以及「市場擺攤」藝術計畫,使用日常生活常見的食材和現成物為媒材,發展出繪畫、雕塑、行為和裝置藝術形式,呈現當代藝術的多元面貌,亦體現藝術即生活、生活即藝術的價值;而楊芳宜策畫「百變旗幟創作展──『來辦桌囉!百道菜餚經典滋味』」邀請藝術家張嘉洳及民眾將廢棄旗幟和塑膠袋再利用融入藝術創作。藉由解構重組讓大眾感受廢棄物件的再生可能和創意趣味,展現臺灣獨有的「辦桌文化」。

此外程仁珮《食譜演化運動》系列作品以「參與式藝術」實踐,從不同文化的飲食融合,照見多面向的人生際遇;《下一餐The Next Meal》則經由探究在地文化風土與揉合自身對飲食文化的想像,重現飲食在人文環境中的樣貌。

最後,林玉婷回顧過往的閱讀經驗,展覽「關於閱讀,我想吃的其實是...」利用擬真食品重新詮釋書中的飲食內容,將文字的喜怒哀樂再現杯盤上的滋味;和王亮尹個展「親愛的,生日快樂」以糕點和許願的場景,探索個人內在欲望的轉化,藉著描繪美好的人事物,轉譯生命的真實樣態。

期盼透過不同形式的作品能帶給觀眾省思,思考自身以及與他人和社會環境間的相互關係。

2020 3/31

漫漫療癒

漫漫療癒

2020/03/31No.15

文編/黃子軒 Banner設計/唐唐

當健康不如以往時,人們不再擁有自己的生活。人們面對於疾病的未知發展與健康流逝感到擔憂及恐懼,往往除了生理上的疼痛,心理層面的煎熬也同時存在。甚至連同患者的親友,在照料的過程中也會有不同程度的身心焦慮。

在過往補助案中,個人疾病的經驗、陪伴他人的關懷,以及社會群體的關照,藝術家們從自身及周遭的經歷談起。

「寫針集─陳傳根個展」便以創作者透過注射胰島素的針頭,來呈現陳傳根自身與疾病留下不同階段的心境紀錄,並做為與一般民眾認識疾病的橋樑;王連晟「依然」藉由罹癌的家人及其他病患因化療掉落的頭髮,將逝去的健康與身體的延伸一同留存於作品中;張皓涵創作之《偷生》,同時受邀於「Athens Jewelry Week 2018」舉辦個展,以癌細胞於體內生長蔓延開的樣態轉化為飾品,將配戴於身體上的裝飾化為警示之物。

罕見疾病基金會「採集‧書寫‧編輯營」則透過課程帶領病友一同完成《九個萬分之一的相聚》一書,分享病友的生命歷程;而沙丁龐客劇團深耕已久的「紅鼻子醫生」相關培訓計畫,將表演藝術融入社會服務,讓歡笑帶進兒童醫院,小丑們不只撫平病童的恐懼與傷痛、減緩家屬的焦慮,甚至給予醫護人員喘息的空間。

為努力生存與疾病共處,雖然如此害怕漫漫長路的治療過程,大家互相問候或身體力行的陪伴,獲得身旁的勇氣,讓這段旅程能更加溫柔與堅毅的支持下去。

2020 2/27

歡聚吧!藝術的慶典

歡聚吧!藝術的慶典

2020/02/27No.14

文編/徐紫芸 Banner設計/王景銘

如果藝術脫胎自生活,是創作者對身體、物件、時空等現實生活元素的捏塑揉合,那藝術節則無異是一大型的集體嘗試,它走入人群,以生活場景為舞台,在一段特定的時期內,帶給民眾高濃度的感官體驗。透過人與人的相聚,藝術節重新編織起藝術與生活的連結,將藝術還諸於生活,歡慶其民主與包容。

本期的藝點報報將帶領大家認識由民間藝文團體策辦之藝術節,看看這些藝文團隊如何透過藝術節的經營,拉近藝術與大眾的距離,深化其與觀眾市場及在地社群的連繫。

偶戲是靈活、親和具凝聚力的藝術,飛人集社劇團「超親密小戲節」及無獨有偶工作室劇團「利澤偶聚祭」都以偶戲為藝術節焦點。「超親密小戲節」自2010起創立,至2018年已辦理6屆。小戲節帶著觀眾自正規劇場空間逃逸,引領觀者穿梭巷弄,細密感受台北市各區域的文史特色,並用偶戲及物件小戲營造旅途中的亮點與驚喜。「利澤偶聚祭」則自2017年起舉辦,無獨有偶工作室劇團立足於宜蘭五結鄉,在逐步落實村落生活美學的同時,亦透過偶聚祭的策畫,放眼國際。偶聚祭每年邀請國際偶戲藝術家帶來作品與台灣藝術家交流,並搭配工作坊、講座、展覽、市集等活動,於秋季慶祝當代偶戲的豐收。

「大稻埕國際藝術節」則以台北大稻埕區域為腹地,每年10月結合在地文化單位及商家,舉辦主題節目、展覽、工作坊、講座及扮裝遊行等多項活動,並邀請國際藝術工作者駐地創作。大稻埕國際藝術節連結了藝文觀眾、遊客、在地商家,創造傳統與當代文化的匯聚、藝術與商業的兼容並蓄。EX-亞洲劇團則將跨文化劇場美學實踐帶至苗栗,2016年起舉辦的「亞洲假日劇場戲劇節」結合飲食、藝文講座與戲劇演出活動,並透過場館的多角化經營及鄉里動員的宣傳模式,持續累積在地藝文人口,讓藝術和鄉親沒有距離。

除了具在地紮根、活化區域特色的效果,藝術節亦是作品推廣及市場行銷的利基:台灣近年興起音樂劇熱潮,許多大型劇團紛紛投入音樂劇製作與開發。在國際、國內市場夾擊下,刺點創作工坊主辦的「大城小肆音樂劇節」便以推廣「中小型原創作品再製」為目的,串聯、共享行銷及製作資源,為中小型音樂劇作品發聲,創造產業機會。而三十舞蹈劇場的「相遇舞蹈節」亦是以觀眾開發為策展核心,透過與商業團體的場地結盟及行銷合作,以舞蹈節高密度的宣傳突破過往由各舞團單打獨鬥的局面,爭取市場大眾對台灣當代舞蹈創作的注目。

節慶活動的策辦需要大量的人力、物力、財力投入,並經長期的在地紮根與區域營造方能蘊生效益,是以這些由民間藝文團體經營辦理、逐步累積之藝術節,其努力與成果更顯得彌足珍貴。在藝術節一段又一段的時空體驗中,人與人相聚,想像從生活逃逸,藝術製造了與奇異的相遇,Arts to everyone,歡聚吧!藝術的慶典。

2019 12/31

舞而優則育:與國家文藝獎得主一起跳舞

舞而優則育:與國家文藝獎得主一起跳舞

2019/12/31No.12

文編/杜麗琴 Banner設計/ Daya Design

為「獎勵具有卓越藝術成就,且持續創作或展演之傑出藝文工作者」,國藝會自1997年起,陸續公布了21屆的國家文藝獎得主名單,共推舉出111位在文學、音樂、舞蹈、戲劇、美術、電影、建築等領域中有卓越成就並且創作不輟的藝術家。其中舞蹈領域產生了劉鳳學(1997)、劉紹爐(1998)、平珩(1999)、羅曼菲(2000)、林懷民(2002)、李靜君(2004)、林麗珍(2005)、林璟如(2006)、許芳宜(2007)、何曉玫(2016)、姚淑芬(2018)、古名伸(2020)等11位得主,也曾創下連續七年(2008-2014)從缺的紀錄,映照出國家文藝獎堅持的原則與高度。

2019年甫公布得獎,古名伸在獲知的那一刻向媒體表示國家文藝獎是「社會給予的,所以感到有更大的社會責任」,而國家文藝獎舞蹈類得主,除了個人卓越的藝術成就外,大半都有「舞而優則育」的經歷,透過研究、實驗、搭建平台與創辦舞團是,「孕育」出台灣舞蹈的沃土與一代又一代的舞蹈人。

在研究方面,1997年首屆獲獎者劉鳳學為國內第一位舞蹈博士,1976年創辦的新古典舞團。除已累積的129部作品外,舞蹈學術研究方向既寬且博,並致力於儒家舞蹈和唐代樂舞的整理、研究及重建工作,其所創辦的新古典表演藝術基金會近年來也持續整理包含《曹丕與甄宓》、《蘇合香》、《傾盃樂》、《春之祭》……等劉鳳學創作及重建的舞譜。

在實驗性方面,2020年最新得主古名伸乃是將「接觸即興」引進亞洲的第一人,其身體觀與技巧應用,改變當代臺灣舞蹈創作語彙和風格,奠定了臺灣在亞洲地區「接觸即興」的重要地位。其所創辦的古舞團持續與團員共舞即興,長期維持一種合作的親密關係,打破單向的舞者服膺編舞者權威的科層結構。這樣特殊的舞團體質,使該團成員橫跨老、中、青三代,也印證了即興舞蹈跨越年齡的主張。

在搭建平台方面,2016年得主何曉玫以「何曉玫meimage舞團」推動《鈕扣計畫》,持續提供旅外優秀舞蹈人才回鄉展演之平台,促進國內外舞蹈生態交流;無獨有偶,2018年得主姚淑芬也透過所創辦的世紀當代舞團推出「驅動城市」交流平台,自2011年起,與日本、韓國、香港、馬來西亞等地的創作者透過交換舞者或設計團隊,共同策劃小型藝術節,並在合作網絡的不同城市上演。

在創辦舞團部分,除了上述的劉鳳學的新古典舞團、古名伸的古舞團、姚淑芬的世紀當代舞團、何曉玫的何曉玫meimage舞團之外,尚有平珩創辦了舞蹈空間舞團、林麗珍創辦了無垢舞蹈劇場;而林懷民所創辦的雲門舞集當屬最多國家文藝獎得主的家,包含劉紹爐、羅曼菲、李靜君、許芳宜等,其中雲門的創團團員劉紹爐後來也創辦了光環舞集。這些由國家文藝獎得主所創辦的舞團,不但孕育出台灣最獨特的肢體與美學,也成就了台灣藝術的風景。

2019 11/29

同心未泯

同心未泯

2019/11/29No.11

文編/詹家瑄 Banner設計/王景銘

1986年,28歲的祁家威公開出櫃。他向立法院請願同性公證結婚,立法院回以「同性戀者為少數之變態,純為滿足情慾者,違背社會善良風俗」駁回;2019年5月24日暱稱「同婚專法」的《司法院釋字第七四八號解釋施行法》生效,自此台灣同性婚姻獲法律承認。

這33年來的漫漫長路,除了是灑著汗與淚的婚平之路、也是摸索探尋何謂性別、何謂欲望、何謂愛情與何謂自我的道路,許多創作者重新檢視人在面對自我與情感時的掙扎泅泳,並在這些衝突之中淬煉出自己的答案,同時又提出更多叩問。

淬鍊的過程或許難以言說,但創作者們將其融入作品之中:創作社劇團《少年金釵男孟母》取材明末清初文人李漁的擬話本〈男孟母教合三遷〉改編再製成現代戲劇,昭示多元性別古今皆有;四把椅子劇團《叛徒馬密可能的回憶錄》將時空背景聚焦於雞尾酒療法甫引進的台灣,結合同志與愛滋議題,展現對自我認同的焦慮、生命的困頓以至於叛逃;台日共製的《同棲時間》則是劇作家林孟寰原著劇本、後於日本東京公演,描寫跨國的同志情人之間彼此感情、個人身分的思考;《上身不由己》為新加坡劇作家鄒文森作品,由娩娩工作室搬演,劇中「兒子死後變成的女鬼」、「宣稱觀音上身的同志乩童」等「身不由己」,為台灣LGBTQ議題作品增添一筆獨特色彩。

2015年,莎士比亞的妹妹們的劇團經典重現《踏青去Skin Touching》,首演是在2004年由女人組劇團與徐堰鈴導演合作演出,十年後的重新製作讓參與成員再度聚首,亦有新邀演員,新舊成員之間相互輝映,折射出十年時光帶給演員、創作團隊和台灣女同志之路的改變,也展現出女同創作的豐富面向。

而後由女書文化出版的《踏青:蜿蜒的女同創作足跡》共分二輯與收錄新版《踏青去Skin Touching》劇本的別冊,輯一從劇場開始,魏瑛娟、傅裕惠和周慧玲三位導演從他們年輕時談起,談對性別意識的啟蒙、戲劇的啟蒙與人生的啟蒙;還有《踏青去》導演徐堰鈴與新舊演員班底的訪談;輯二以類型為大方向,透過文學、電影、音樂與視覺藝術等各領域的同志藝術創作者描摹出台灣女同志的文化地景,最末以李屏瑤〈吶喊與吟唱〉以年代劃分標誌出重要的女同志文化事件作結。

作家唐墨的散文集《違憲紀念日》紀錄作為一個男同志其自身的人格特質與生命樣貌;楊隸亞集結〈結婚座〉等篇章的《女子漢》,以灑落的筆法寫下所見女性的角色掙扎及欲語還休的同志情誼。

而楊雅翔所主持的《壞種子:龐克、性/別、藝術反動份子據點調研計畫》為視覺藝術策展專案中第一階段駐地研究計畫案,香港、馬來西亞、韓國與台灣的性別意識、性平教育與性別關懷的藝術表現進行調研活動,並延伸至慰安婦、殘疾關懷議題,亦有關於次文化、文化角力與政治情勢的觀察,觸角廣伸。

這些作品各有體裁、風格與特點,都是台灣平權道路上不可或缺的瑰麗風景。

2019 10/31

探勘歷史,我們留下/製造的歷史紀錄

探勘歷史,我們留下/製造的歷史紀錄

2019/10/31No.10

文編/詹季宜 Banner設計/王景銘

2019年這一年,是達文西冥誕500週年,六四事件30週年,人類登陸月球50週年,柏林圍牆倒下30年……,透過各地紀念歷史週年的活動與紀錄報導,讓人彷彿重回歷史現場,昨日歷歷在目。

本期的「藝點報報」即以「歷史」為主題,特別關注的是,近年透過藝術團體所自發性進行的歷史紀錄行動。並進一步探問:什麼成為了重新探勘歷史的契機與動力?如何著手、以及留下了什麼樣的歷史紀錄形式與文件檔案?又各自有何特殊性?他們如何進一步向公眾公開檔案資料與運用?藉由這些留下或產出的歷史紀錄,我們可以推進甚麼樣的未來?

首先,90年代後期在臺灣各地相繼成立的藝文替代空間與藝術團體,至今已歷時超過20年。其中的「新樂園藝術空間」於1995年成立,為迎來20週年,2013年即開始進行該空間歷年成員及外部相關評論人、策展人及學者的口述歷史研究計畫。其透過大量訪談及影音紀錄,得以呈現藝術家各自的思辨內涵,並尋求有關對替代空間歷史的新揭露,使能補充及運用於台灣當代藝術史的研究。其後於2016、2017年策辦「新樂園20年紀念展」及巡迴展,展出相關影音紀錄及新樂園成立以來的歷史文件、檔案與作品,持續對話的交流。

「非常廟」藝術家團體於1997年成立,2006年創辦「VT Artsalon非常廟藝文空間」。同樣做為「一個時代的見證者」,「VT本身的轉變與轉進,某種程度亦反映了台灣藝術這二十年來的各階段特質」。其於2017年20週年之際,推出「『非常時期』-VT二十週年小品展暨新書發表」,其中所出版的《台灣當代藝術與非常廟藝文空間》一書,是以該團體與藝文空間的發展史作為觀察臺灣當代藝術發展史的樣本,除收錄專文及訪談,更整理出VT歷年重要大事紀與展覽。VT另外並透過「台灣當代藝術近況調查研究-以非常廟為脈絡」計畫,嘗試進行「台灣當代藝術團體年表」及「台灣替代空間年表」的繪製,作為初步建構台灣當代藝術史的書寫基礎。

而作為台灣少數運用民眾戲劇的訓練方法暨理論系統的「差事劇團」,以及作為在台灣長期耕耘接觸即興的主要推廣團體「古名伸舞蹈團」,則分別於2017年出版《路有多長:差事劇團二十週年紀念文集》、2018年出版《無動不舞—解密接觸即興、漫舞四分之一世紀》與兩部紀錄片《解密接觸即興》、《漫舞四分之一世紀》。差事於2016年舉辦「差事二十,路有多長?」系列回顧講壇活動,並以專書收錄差事劇團團長鍾喬、文化/文字工作者、劇團成員等32篇文章,以一貫的思辨與文化行動方式,反思與凝視民眾戲劇的過去、現在,以及未來。古舞團的紀錄片製作,則聚焦呈現接觸即興的概念技巧及在台灣的發展歷史,及以該舞團為主的包含25年來接觸即興在台灣的重要歷史鏡頭:工作坊、身體訓練以及實踐者訪談等,是台灣當代舞蹈發展史的一個切片與歷史紀錄。

除此之外,為紀念作曲家戴洪軒逝世20周年,戴氏的後代重新整理其手稿、信件、報章連載、樂譜,修復其早期音樂錄音及影像,同時策劃《狂人之血-戴洪軒音樂.文學·劇》演出到出版《狂人之血:戴洪軒談樂錄》及影音光碟,過程為集音樂界葉綠娜、魏樂富、李欣芸,劇場界楊景翔、莫子儀、陳武康及影像工作者鄭有傑等跨界專業者的協助。戴洪軒所留下的音樂與文字曾經在年輕藝術家身上發生實質影響,其相關作品發行更期待能繼續引發年輕一輩的迴響。

或許是面對臺灣世代歷史記憶斷裂的焦慮,或為釐清自身定位及留下走過的經驗資產,這些搶在歷史記憶消逝之前所付出的紀錄行動,想必需付出大量時間與人力的投入,尚須面對文件檔案保存等難題,但所幸有這些紀錄,使得當我們回頭探勘歷史時不致空白。