藝點報報

1986年，28歲的祁家威公開出櫃。他向立法院請願同性公證結婚，立法院回以「同性戀者為少數之變態，純為滿足情慾者，違背社會善良風俗」駁回；2019年5月24日暱稱「同婚專法」的《司法院釋字第七四八號解釋施行法》生效，自此台灣同性婚姻獲法律承認。

這33年來的漫漫長路，除了是灑著汗與淚的婚平之路、也是摸索探尋何謂性別、何謂欲望、何謂愛情與何謂自我的道路，許多創作者重新檢視人在面對自我與情感時的掙扎泅泳，並在這些衝突之中淬煉出自己的答案，同時又提出更多叩問。

淬鍊的過程或許難以言說，但創作者們將其融入作品之中：創作社劇團《少年金釵男孟母》取材明末清初文人李漁的擬話本〈男孟母教合三遷〉改編再製成現代戲劇，昭示多元性別古今皆有；四把椅子劇團《叛徒馬密可能的回憶錄》將時空背景聚焦於雞尾酒療法甫引進的台灣，結合同志與愛滋議題，展現對自我認同的焦慮、生命的困頓以至於叛逃；台日共製的《同棲時間》則是劇作家林孟寰原著劇本、後於日本東京公演，描寫跨國的同志情人之間彼此感情、個人身分的思考；《上身不由己》為新加坡劇作家鄒文森作品，由娩娩工作室搬演，劇中「兒子死後變成的女鬼」、「宣稱觀音上身的同志乩童」等「身不由己」，為台灣LGBTQ議題作品增添一筆獨特色彩。

2015年，莎士比亞的妹妹們的劇團經典重現《踏青去Skin Touching》，首演是在2004年由女人組劇團與徐堰鈴導演合作演出，十年後的重新製作讓參與成員再度聚首，亦有新邀演員，新舊成員之間相互輝映，折射出十年時光帶給演員、創作團隊和台灣女同志之路的改變，也展現出女同創作的豐富面向。

而後由女書文化出版的《踏青：蜿蜒的女同創作足跡》共分二輯與收錄新版《踏青去Skin Touching》劇本的別冊，輯一從劇場開始，魏瑛娟、傅裕惠和周慧玲三位導演從他們年輕時談起，談對性別意識的啟蒙、戲劇的啟蒙與人生的啟蒙；還有《踏青去》導演徐堰鈴與新舊演員班底的訪談；輯二以類型為大方向，透過文學、電影、音樂與視覺藝術等各領域的同志藝術創作者描摹出台灣女同志的文化地景，最末以李屏瑤〈吶喊與吟唱〉以年代劃分標誌出重要的女同志文化事件作結。

作家唐墨的散文集《違憲紀念日》紀錄作為一個男同志其自身的人格特質與生命樣貌；楊隸亞集結〈結婚座〉等篇章的《女子漢》，以灑落的筆法寫下所見女性的角色掙扎及欲語還休的同志情誼。

而楊雅翔所主持的《壞種子:龐克、性/別、藝術反動份子據點調研計畫》為視覺藝術策展專案中第一階段駐地研究計畫案，香港、馬來西亞、韓國與台灣的性別意識、性平教育與性別關懷的藝術表現進行調研活動，並延伸至慰安婦、殘疾關懷議題，亦有關於次文化、文化角力與政治情勢的觀察，觸角廣伸。

這些作品各有體裁、風格與特點，都是台灣平權道路上不可或缺的瑰麗風景。

文編／詹家瑄　Banner設計／王景銘

2019年這一年，是達文西冥誕500週年，六四事件30週年，人類登陸月球50週年，柏林圍牆倒下30年……，透過各地紀念歷史週年的活動與紀錄報導，讓人彷彿重回歷史現場，昨日歷歷在目。

本期的「藝點報報」即以「歷史」為主題，特別關注的是，近年透過藝術團體所自發性進行的歷史紀錄行動。並進一步探問：什麼成為了重新探勘歷史的契機與動力？如何著手、以及留下了什麼樣的歷史紀錄形式與文件檔案？又各自有何特殊性？他們如何進一步向公眾公開檔案資料與運用？藉由這些留下或產出的歷史紀錄，我們可以推進甚麼樣的未來？

首先，90年代後期在臺灣各地相繼成立的藝文替代空間與藝術團體，至今已歷時超過20年。其中的「新樂園藝術空間」於1995年成立，為迎來20週年，2013年即開始進行該空間歷年成員及外部相關評論人、策展人及學者的口述歷史研究計畫。其透過大量訪談及影音紀錄，得以呈現藝術家各自的思辨內涵，並尋求有關對替代空間歷史的新揭露，使能補充及運用於台灣當代藝術史的研究。其後於2016、2017年策辦「新樂園20年紀念展」及巡迴展，展出相關影音紀錄及新樂園成立以來的歷史文件、檔案與作品，持續對話的交流。

「非常廟」藝術家團體於1997年成立，2006年創辦「VT Artsalon非常廟藝文空間」。同樣做為「一個時代的見證者」，「VT本身的轉變與轉進，某種程度亦反映了台灣藝術這二十年來的各階段特質」。其於2017年20週年之際，推出「『非常時期』-VT二十週年小品展暨新書發表」，其中所出版的《台灣當代藝術與非常廟藝文空間》一書，是以該團體與藝文空間的發展史作為觀察臺灣當代藝術發展史的樣本，除收錄專文及訪談，更整理出VT歷年重要大事紀與展覽。VT另外並透過「台灣當代藝術近況調查研究-以非常廟為脈絡」計畫，嘗試進行「台灣當代藝術團體年表」及「台灣替代空間年表」的繪製，作為初步建構台灣當代藝術史的書寫基礎。

而作為台灣少數運用民眾戲劇的訓練方法暨理論系統的「差事劇團」，以及作為在台灣長期耕耘接觸即興的主要推廣團體「古名伸舞蹈團」，則分別於2017年出版《路有多長：差事劇團二十週年紀念文集》、2018年出版《無動不舞—解密接觸即興、漫舞四分之一世紀》與兩部紀錄片《解密接觸即興》、《漫舞四分之一世紀》。差事於2016年舉辦「差事二十，路有多長？」系列回顧講壇活動，並以專書收錄差事劇團團長鍾喬、文化/文字工作者、劇團成員等32篇文章，以一貫的思辨與文化行動方式，反思與凝視民眾戲劇的過去、現在，以及未來。古舞團的紀錄片製作，則聚焦呈現接觸即興的概念技巧及在台灣的發展歷史，及以該舞團為主的包含25年來接觸即興在台灣的重要歷史鏡頭：工作坊、身體訓練以及實踐者訪談等，是台灣當代舞蹈發展史的一個切片與歷史紀錄。

除此之外，為紀念作曲家戴洪軒逝世20周年，戴氏的後代重新整理其手稿、信件、報章連載、樂譜，修復其早期音樂錄音及影像，同時策劃《狂人之血-戴洪軒音樂．文學·劇》演出到出版《狂人之血：戴洪軒談樂錄》及影音光碟，過程為集音樂界葉綠娜、魏樂富、李欣芸，劇場界楊景翔、莫子儀、陳武康及影像工作者鄭有傑等跨界專業者的協助。戴洪軒所留下的音樂與文字曾經在年輕藝術家身上發生實質影響，其相關作品發行更期待能繼續引發年輕一輩的迴響。

或許是面對臺灣世代歷史記憶斷裂的焦慮，或為釐清自身定位及留下走過的經驗資產，這些搶在歷史記憶消逝之前所付出的紀錄行動，想必需付出大量時間與人力的投入，尚須面對文件檔案保存等難題，但所幸有這些紀錄，使得當我們回頭探勘歷史時不致空白。

文編／詹季宜　Banner設計／王景銘

纖維藝術（Fiber Art）起源於七○年代的美國，意味著革新與現代化的藝術形式和理念。其多元的面貌有，二度空間的平面織物、三度空間的立體雕塑，或者融入空間的裝置藝術，乃至成為環境藝術。現今只要以纖維質、纖維形與纖維觀念都能成為藝術作品。

由國藝會補助的成果裡，作者同樣都是使用纖維的媒材，而表現方式是創新，並且具有實驗性。像這樣的作品形式已跳脫傳統染織工藝的美學觀點和功能實用性，不再侷限材質、形式和技法，要體現的是作者內在精神層面、生命經驗的表達、社會現象的觀察，與生態環境議題等等。

透過作者的視野，我們得以欣賞多樣的纖維藝術作品；期許能影響更多的創作者，跨出個人生活經驗的限制，以更開闊的眼見出發，嘗試不同以往的創作。

文編／林家蓁　Banner設計／森田達子

海，之於台灣，之於我們，是什麼？

依稀記得閱覽過的台灣史資料裡，或許是因為彼此相存相依的關係，不少作家與學者們會形容這座美麗島嶼上生活的人們──海的子民。台灣四面環海，似乎是所有人從小就多少熟稔的知識。回朔討海的最初，從早期一級產業興盛的四〇年代開始，台灣漁業在七〇年代邁向發展高峰，隨著政策導向、社會經濟體的變化與數位時代便利性的成長與衝擊，海，對台灣來說，對我們來說，從來都是不容小覷的巨大力量。

在人與海的關係中，更多不僅僅只是關於經濟或產業的議題在時間的洗練下浮出水面，環保意識的萌發、海洋生態教育的急迫性乃至政治歷史的記憶回顧與影響，再再都提醒著海島上的我們，跟這片相依偎的海洋間，那份連結有多麼的密切，也多麼的相生相依。

透過紀錄片導演的見聞與觀察，或許我們應該嘗試從日常裡短暫抽離，或嚴肅的、或詼諧的，去感同身受這些，平常我們不特別感受到重要性，卻與我們息息相關的波浪。

人生海海，在看過這些海上流傳著、海邊依存著的、海角天涯間被世人所遺忘的種種故事後，不知道那些波濤，會不會也帶給你，像帶給我迎頭一卷大浪般，餘波久久不散的感受。

文編／林宜慧　Banner設計／森田達子

傳統也曾經是過去的當代，但傳統如何變成今日的當代，這需要一點想像力和執行力。在國藝會補助的成果中，有不少「傳統為體當代為用」的實踐案例，特別是在視覺藝術的領域，近年來有多起採傳統工藝技法或精神進行創作，以當代藝術的展演形式，呈現獨特的個人風格。

以出身新莊新興糊紙店第四代的張徐展為例，他用紙紮結合「各種自身動畫技巧與錄像影像的觀念」創作出百年老店的新作品，他認為「紙紮是最接近死亡的藝術，動畫(則)比較可愛幽默，當我重新詮釋紙紮，其實是在重新詮釋死亡的觀念，想回應我們傳統藝術的現狀，用幽默的態度反應沒落的狀況(張徐展，2016) 」。

阿美族的拉黑子．達立夫則取材自守護者兄妹的部落傳說的〈守護者〉的概念以垃圾製作成雕塑品「營造一種在傳統與現代之間穿梭的情境，和快速變換的觀看方式，引導觀眾凝視這片海洋，以及此刻我們所共同面臨的現況。」；泰雅族的創客吧有限公司則用傳統織布為經緯，以「『Tribe Against Machine (部落對抗機器)』之名，對外開啟了台灣第一次的歐洲電子織品社群和民族織品團體合作的藝術計畫」。

擁有阿美族與噶瑪蘭族血統的杜瓦克·都耀傳承部落的竹藤編工藝，創作靈感源自於噶瑪蘭人緊鄰海洋、河流生活的漁獵文化傳統。使用烏葉竹、黃藤製作出Sanku魚筌，並轉化為各式生活產品和裝置藝術。黃郁淳則是在澳洲Canberra Potters' Society Inc.駐村期間「以一個外國人的觀察及展望的角度創作，紅土、符號文字、部落這都是澳洲文化的根源」，以陶土創作也有作品根植於「土地」的意涵。

蔡淑惠以刺繡進行複合裝置計畫將之命名為《這青春》，石瑞仁認為蔡淑惠：「以刺繡進行藝術探索，用刺繡書寫個人日記，將刺繡從傳統的民俗文化、式微的手做工藝發展成個人心聲絮語的表達、情感記憶的書寫，乃至於一種藝術治療和心理救贖的儀式。」；同樣是用刺繡來表現，鄧文貞則結合了纖維藝術、藍染、原住民染織等技法創作出《食玩-纖維白》將她研究了十多年的「食物」「以『宴饗』為主題創作，取食物原有的形與色來暗喻、抒發內心最深刻的五官感知。」

就讓我們一起來好好欣賞這些既是傳統也當代的藝術創作吧！

文編／杜麗琴　Banner設計／王景銘

除了展覽、演出外，國藝會在常態申請各類中皆有補助「創作項目」，不少「創作」與演出團隊相互有意之下，有了新契機、新風貌，像是文學創作改編成戲，如創作社劇團以駱以軍作家的長篇小說《西夏旅館》，結合攝影以「寫真劇場」的概念，以中國西夏為背景描繪出臺灣的多元文化衝突。

在劇作方面，近期由同黨劇團演出詹俊傑的劇作《白色說書人》，描述小人物的心聲，並融合布袋戲、剪紙等元素；紅潮劇集藝術總監梁允睿《啞狗男人》、本事劇團團長邢本寧《狼與一位名叫東郭的人》，則是透過申請「創作項目」完成劇本創作，由所屬團隊演出，進而累積團隊作品集。

在閱讀文字與觀看戲劇後，可以從中比較自己的想法與作者想傳達的內容，以及文字轉化為戲劇中的不同，正是享受藝術的最好方式。

文編／陳宜萱　Banner設計／王景銘

每個人的生命經歷就像一本書，劇本都不一樣。而相同的是生命中難免會有無法解決的生活難題。寫作也許不能改變現實狀況，但當作者選擇用書寫面對自己，向內進行反省與關照；從一開始對自我的質疑，到重新自我整理、自我認識以及尋找新的生命意義。這都是自我蛻變的一個過程，亦是自我療癒的過程。

西蒙˙波娃說：「失望並不是希望的反義詞，失望就是相信我的根本目的不能達到──是對人類處境的一種清醒意識。」我們可以選擇諒解發生在我們周遭的人事物，包括自己，不需要強迫自己一定要面對，只需要轉身，讓自己有一個看待事物的新視角。

讓我們跟隨作者的足跡，進入他難以言喻的世界，有歡笑、有淚水、有無奈、有愛……，期待讀者能透過自己的角度，在書裡與作者相遇。

文編／林家蓁　Banner設計／森田達子

台灣音樂劇發展起始於1980年末，國藝會亦在過去20年間補助為數不少的作品。作品的改編轉化與共製上，音樂時代劇場與作家蔣勳跨界協作以《少年台灣》為主軸，創造文學與音樂、戲劇的融合經典，人力飛行劇團藝術總監黎煥雄引入流行音樂歌手及詞曲創作者嘗試跨界合創，與插畫家幾米合作的「幾米三部曲」——《地下鐵》、《幸運兒》、《向左走，向右走》，爾後，「再一次拒絕長大劇團」改編德國經典劇本《春醒》，也為台灣的觀眾帶來不少實驗精神上的震撼。

論及台灣音樂劇，果陀劇場是為台灣劇團大型編制規模完整音樂劇的先驅，延續以往改編西方作品的《大鼻子情聖─西哈諾》、《吻我吧娜娜》，近期原創製作《愛呀，我的媽！》亦創造好評佳績。原創音樂劇中，耀演以音樂劇獨角戲的創新方式製作出大獲好評的《美味型男》，奇巧劇團融合歌仔戲、豫劇、搖滾、嘻哈甚至Bossa Nova製作宗教題材的《我可能不會度化你》也令人驚豔。

講起音樂劇，人們總先提起紐約百老匯，五光十色的不夜之城，上演著娛樂性高又簡單易懂的故事情節，縱使現今的音樂劇樣態已經產生了各種各樣的變化，臺灣音樂劇的發展也逐漸發酵迸發出自己的模樣，只是無論在哪，只要亦或歡快亦或悠長的歌聲曲調響起，燈光落下，透過演員們的舉手、投足，相信無論男女，無論對戲劇的理解高低，任何人都有機會，在一曲始了間為音樂劇所吸引，也更不無可能，在一劇幕起幕落間，離不開這用著音樂說著故事的——人生如戲。

文編／林宜慧　Banner設計／王景銘

「什麼是名字？玫瑰不論以什麼為名，還是一樣芬芳。」——莎士比亞《羅密歐與茱麗葉》

中文暱稱莎翁的英國文學家莎士比亞（William Shakesbeare, 1564～1616）生活於16到17世紀交界，在他50多歲的生命中總共創作了37部舞台劇本，這些劇本在400年間不斷地以不同的語言在全球翻譯出版，也在不同國家的舞台上一再搬演，猶如莎士比亞在《羅密歐與茱麗葉》中提到玫瑰芬芳的本質不會被名字改變，同樣地，莎士比亞劇本的劇情無論改編成哪一種語言或是劇種，洞悉人性的本質仍然不變。

國藝會在2013到2017年間，補助多件與莎士比亞原著有關的計畫，在創作類型上舉凡京劇、現代戲劇、音樂劇、作曲，使用的語言上則有中文與閩南語，其中也包含了台日的跨國製作、在中國舞台上搬演或遠赴莎士比亞的原鄉英國演出。台灣藝術家巧妙運用莎士比亞的原著，阮劇團把A Midsummer Night's Dream（仲夏夜之夢）變成了《熱天酣眠》，愛樂劇工廠則結合鄒族神話創作出《天祭—雲海中的仲夏夜hohcubu》；Hamlet（哈姆雷特）也融入了李國修創作的《莎姆雷特》；Othello: The Moor of Venice（奧賽羅） 主角唱起西皮二黃，新點子工作坊讓他成為了《噬心者》……。

文編／杜麗琴　Banner設計／Daya Design

去年（2018年）10月衛武營國家表演藝術中心開幕典禮與音樂會，沒有缺席的，是包含臺灣作曲家的作品演出：蕭泰然、金希文、馬水龍、黃思瑜、王乙聿等，這些作曲家的作品樂音流淌在眾人之間。藝術總監簡文彬表示，臺灣許多作曲家作品、表演藝術團隊有世界級水準，期透過衛武營的平台，讓國內優秀藝術家被看見。

同樣搭建起類似平台的，還有民間樂團的持續投入，他們積極發掘本土創作人才，推廣國人音樂作品的演出。起心動念除了讓團員能夠演奏或唱出屬於臺灣自己的樂音及情感，培養詮釋臺灣當代音樂語言的能力外，也有享受與作曲家相互激盪的過程，藉此擴大接觸者的當代視野及帶來新思維，甚或樹立樂團自己的風格品牌。以下幾個樂團即是堅持超過十年以上的範例，如台北室內合唱團、台北打擊樂團、十方樂集、對位室內樂團、采風樂坊等。（你還可從補助成果檔案庫中，看到更多的樂團計畫案例。）

如果你過去少有機會接觸或想進一步瞭解臺灣作曲家的作品，你可以嘗試怎麼做呢？

你可以追蹤樂團FB上的演出訊息，或購買樂團有計畫出版的國人作品影音專輯。由於國藝會向來支持樂團委託作曲家創作曲目、演出國人作品，你還可密切關注國藝會的展演與補助訊息。另外，在本檔案庫的「作曲專題資料庫」中，提供了曾獲補的不同世代臺灣作曲家的介紹、他們的作品目錄與作品試聽，你可以從中找到你喜愛風格的作曲家，以及透過瀏覽成果更了解他們過往相關的創作、委託創作或演出計畫。

如果能與樂團抱持著同樣無設限的心態，買張票聽場臺灣作曲家的作品演出音樂會，應可期待這片島上未來所共築的臺灣當代音樂風景。

文編／詹季宜　Banner設計／森田達子